dunkelkammerartistik

Fotografen haben Recht!

2011-10-31T17:27:00.006+01:00

HangOut ist ein in lockerer Reihenfolge erscheinendes Online-Magazin von Olaf Bathke.Iim Zusammenschluss mit anderen Fotografen werden unterschiedliche Themen diskutiert, Fragen beantwortet, Anregungen gegeben. In der vierten Folge von HangOut wird das Thema Recht in der Fotografie erläutert. Der Rechtsanwalt Olaf Kretzschmar, Medienrechtler, gibt Antworten.

Ich bin partiell nicht ganz seiner Meinung, wenn es zum Beispiel darum geht, dass in der Streetfotografie nach deutschem Recht schon die Aufnahme von Personen an sich nicht statthaft sein soll. Das käme einem Berufsverbot gleich und einem Verstoß gegen die Kunstfreiheit. Ich glaube, da wurde zu kurz auf das Thema geschaut, so ganz einfach kann man einem professionellen Fotografen dann die Arbeit hierzulande doch nicht verbieten.

Die früheren Ausgaben vom HangOut sind im YouTube-Kanal vom Fotografkielblog zu finden.

Pentax ist jetzt Ricoh …

2011-10-19T18:43:00.002+01:00

… oder so.

‘nuff said. ;-(

Arno Fischer

2011-09-20T10:13:00.004+01:00

Der Fotograf, Gründer und Lehrer der OSTKREUZ Agentur Arno Fischer ist vergangene Woche im Alter von 84 Jahren verstorben. Anlässlich einer Retrospektive in der Bundeskunsthalle 2009 wurde ein Film über Fischers Werk und Leben gedreht und gezeigt, der auf deren Onlineportal weiterhin zur Verfügung steht.

Marketing für Fotografen und Videokünstler

2011-09-07T12:56:00.006+01:00

Das Kursangebot von creativeLIVE.com hatte ich schon empfohlen. Nochmals ein Hinweis für den aktuellen Kurs mit Tamara Lackey, der dieses Wochenende 9. und 10. September 2011) stattfindet und wieder live gratis online mitverfolgt werden kann: „Taking Care of Business”.

Nach der Planung für das eigene kreative Business geht es ans Eingemachte. Die Umsetzung eines fundierten Geschäftmodells als Fotograf in die Realität mit Bilanzanalyse. Lackey gibt Tipps, wie und mit welchen Instrumenten das eigene professionelle Geschäft als Künstler im Markt kreativ weiter entwickelt werden kann und vor allem erfolgreich lanciert wird.

Am 20. bis 23. September geht es übrigens an gleicher Stelle weiter, 4 Tage Know How rund um Photoshop CS5 „Photoshop CS5 Intense” von Lesa Snider präsentiert.

Alle Seminare werden auf englisch präsentiert und finden für uns hierzulande zu nachtschlafender Zeit statt. Sie können auch jetzt zum ermäßigten Preis bei Registrierung auf dem Portal erworben werden.

Handyfotografie – dem Windelalter entwachsen?

2011-09-06T18:20:00.010+01:00

Neulich wieder in irgendeinem Fotoforum die Diskussion darüber geführt ab welcher Kameraart man „professionell” Fotos verkaufen kann oder sich noch als „professioneller” Fotograf fühlen darf. Natürlich fing bei einem Diskutanten „professionell” erst ab DSLR und am Besten auch Mittelformat an. Zumindest seiner Meinung nach stand weiterhin die Technik vor dem Foto. Ich blieb bei meiner Meinung, dass ein gutes Foto nur dann entsteht, wenn der Fotograf sehen kann, seine Kunst versteht, die von ihm verwendete Technik beherrscht – vor allem aber sich in der Lage sieht mit seinem Talent das Bild in seinem Kopf wiederzugeben. Die Kamera als Werkzeug und nicht als Maßstab für Kunst.

Dahinter steht natürlich immer die Überlegung für wen fotografiert und in welchem Medium veröffentlicht werden soll. Selbstverständlich wird es immer sinnvoll sein, die Vorzüge von RAW-Bilddateien zu nutzen. Aber sind sie wirklich angebracht in der Pressefotografie, weiß ich längst, dass ich dort Fotos abzuliefern habe, die allenfalls eine Nachbearbeitung in Tonwert und Gradation gestatten und später dann in einer Tageszeitung im Grauwert auf einer Größe von maximal 2x4 cm abgebildet werden? Wenn überhaupt? An der Stelle scheiden sich bereits in der Fotografie die Geister vom Konzept- und Werbe- zum Reportagefotografen. Die Arbeit wird zunehmend nicht alleine hinsichtlich der Kunst und des eigenen Könnens bewertet werden, denn ein umfangreicher Workflow rechnet sich einfach nicht, wird die Arbeit immer schlechter bezahlt. Und hier ist wohl jeder fotografierender Freiberufler sein eigener BWL-Experte.

In unserer Diskussion forderte der Diskutant der teuren Bildproduktion Beispiele „erfolgreicher” Veröffentlichung von Handy-Fotografen, die ich ihm freundlicherweise zukommen ließ und die er mit einem höchst überheblichen „alles klar!” kommentierte. Dumm eben: wer derzeit seine iPhone-Fotos veröffentlicht oder darüber schreibt, liegt im Trend und wird auch verkaufen. Gefühlt erscheint wöchentlich mindestens ein neues Exemplar von Kunstbänden oder technischen Ratgebern, die sich ausschließlich einer neuen Kunstform „Fotografie mit dem iPhone” bedienen. Es mag nicht jedem Fotografen schmecken, und nein, auch ich kann ehrlich keine Instagram-Filter verunreinigte Fotografien mehr sehen. Fakt ist dennoch, die Leute fotografieren mit ihren Handykameras immer besser, immer begeisterter und auch immer hochwertiger, kunstvoller, besser. Und der Profi muss langsam mal umdenken.

Fotografie mit dem Cellphone/Handy ist keine Fotografieform mehr, die man noch so eben vom Tisch wischen kann. Anfang August erschien auf „der Standard.de” eine kritische Auseinandersetzung hinsichtlich der Entwicklung von mobiler Fototechnik mit Sprechfunktion und deren Einfluss auf die Arbeitsweise von professionellen Fotografen. So erklärt der Pressefotograf Heinz Tesarek lapidar „Fotografen können vielleicht den Moment einfangen, nicht jedoch die Zeit aufhalten”, und meint damit den technischen Fortschritt von Handykameras. Arbeiten für die man früher längst Tage in der Dunkelkammer verbracht hat, deren Montage selbst in Photoshop stundenlanges Basteln an Filtern bedeuten, zaubert Hipstamatic als App für knappe 2 Dollar in die Fotografie. Es wundert nicht wirklich, beschreibt die österreichische Agenturchefin Regina Anzenberger eine Auftragsarbeit in dem gleichen Artikel «McDonaldisierung der Pressefotografie»: „Vor kurzem haben wir einen Auftrag für ein renommiertes englisches Magazin mit dem iPhone fotografiert.” Das sitzt, nicht wahr?

Ein Einzelfall? Gehen wir nach Nordafrika. Der Fotograf Benjamin Lowy hat kürzlich für Getty Images vor Ort den Fall von Gaddafi in Libyen fotografiert. Mit einem iPhone und unter der Verwendung von Hipstamatic. Letzteres sehe ich hinsichtlich Reportagefotografie – da bleibe ich bewusst altmodisch – sehr kritisch, denn schon eine farbliche Änderung einer realen Aufnahme hat meines Ermessens in der Reportage nichts verloren. Ich will auch keine Fotos von Leichen in der Pathologie mit hippen Lomo-Filtern „verschönert” sehen. Diese Diskussion ist sicherlich noch eine ganz andere. Dennoch, dieser Job wurde erledigt von einem Cellphone. Und – das mag der springende Punkt sein – er wurde von einer Bildagentur bezahlt! Sehr sicher ermöglicht der Einsatz eines mobilen Telefons dem Fotografen ein unauffälligeres Auftreten in Kriegssituationen, was in einer solchen Situation womöglich über Leben und Tod eines Fotografen entscheiden kann. Wir sollten umdenken. Nein, wir müssen!

Das deutschsprachige Blog iphonography, widmet sich umfassend dem Thema Fotografie mit dem iPhone. Empfehlung.

Thomas Leuthard

2011-08-30T08:52:00.009+01:00

Eine Empfehlung sind die beiden eBooks des Schweizer Streetphotographen Thomas Leuthard, aka 85 mm. Er hat sich selbst als Autodidakt der Straßenfotografie zugewendet, logisch dem Gebot seiner zweiten Leidenschaft, seinen Reisen, folgend. Leuthards Fotografien haben eine klare Bildsprache, sie zeigen Menschen, denen das Leben nur allzu deutlich ins Gesicht geschrieben ist. Seine Fotos sind meist minimalistisch aufgebaut, selten überladen und daher in ihrem Ausdruck von klarer Dominanz. Er bildet nicht nur ab, er traut sich sehr nahe an sein Sujet heran, arbeitet mit einer 20 mm und 50 mm Festbrennweite und diese Nähe führt den Betrachter direkt in das Leben seiner Motive. Die Klarheit seiner Fotografien wird durch die ausschließliche Präsentation der Aufnahmen in schwarz-weiß zusätzlich unterstützt. Gelegentlich zieht sich eine feine Spur von Ironie durch seine Werke. Selbst wenn Leuthard vergleichsweise noch jung als Fotograf aktiv ist, und dies nicht einmal hauptberuflich, man darf ihm das besondere Talent die ganz kleinen Moment zu sehen und festzuhalten gerne bestätigen.

Das Angenehme an Thomas Leuthard ist, neben seinem unbestritten fotografischen Talent, dass er gerne sein Wissen mit Interessierten teilt. Dies tut er längst in seinem Blog 500 px und nun auch in seinen beiden eBooks „Going Candid“ und seinem neuesten Werk „Collecting Souls“. Ist „Going Candid“ ein sehr guter Ratgeber zum Einstieg in das Genre der Streetphotography, wird Leuthard in „Collecting Souls“ deutlich intimer und gibt viel Einblick in seine persönlichen Erfahrungen bei und mit seiner Arbeit auf der Straße und formuliert sinnvoll Tipps, die bis hin zur Veröffentlichung reichen. Gerade er selber liefert hier mit seinen eBooks ein wundervolles Beispiel dafür, wie Fotografen in den neuen Medien ihre Arbeit höchst professionell präsentieren und auf sich aufmerksam machen können.

Die Bücher, die inhaltlich natürlich insbesondere aufgrund der fotografischen Arbeiten aber eben auch dank der umfangreichen Texte den Klick lohnen, sind kostenlos zu beziehen. Leuthard kommentiert das in seinem ersten Buch im Nachwort so: „There a lot of people who ask me why I don't charge for my eBooks. […] Life is not about money, it's about friendship, happiness and good photos.“ In seinem zweiten Buch wird wenigstens zu einem Spenden-Button verlinkt mit dessen Einnahmen er künftig Projekte im Bereich der Fotografie unterstützen möchte, die momentan noch nicht ganz greifbar sind. Die Idee ist gut, die Bücher sind es allemal wert honoriert zu werden.

Das 1x1 der Schwarz-Weiß-Fotografie mit Filtern

2011-08-27T10:36:00.003+01:00

Michel K. Trout hat ein kleines feines eBook verfasst zum Thema analoge Schwarz-Weiß-Fotografie mit Farbfiltern. Wohl aus Liebe! (Es gibt keinen besseren Grund Bücher zu schreiben, oder?) Hier gibt es eine kleine Probe zum Anlesen. Und hier kauft man es für Euro 5,99 ein.

André Kertész

2011-08-25T11:19:00.009+01:00

Er war so etwas wie der Urvater der Reportagefotografie: André Kertész. Der gebürtige Ungar, dessen berufliches Schaffen hauptsächlich die Stationen seines Lebens in Budapest, Paris und New York widerspiegeln, fängt 1912 im Alter von 18 Jahren an zu fotografieren. Auszüge aus seinem sehr großen Archiv zeigt der Martin-Gropius-Bau in Berlin noch bis zum 11. September 2011 in einer Werkschau.

Gut beraten ist übrigens der Besucher jenseits der 40, wenn er auf jegliche Eitelkeit verzichtet und seine Lesebrille in die Ausstellung mitnimmt. Die Fotografien sind teilweise mit 3x4 cm doch sehr klein geraten, als das man wirklich etwas auf ihnen erkennen könnte, zwingt einen bereits das Alter sehend Abstand zu halten vom Exponat.

pix © André Kertész, Satirische Tänzerin, 1926, Bibliothèque nationale de France

Kertész war der Wegbereiter sehr vieler fotografischer Stilformen, die uns heute als selbstverständlich scheinen. Er hinterließ ein Archiv mit nicht weniger als 100.000 Negativen, als er 1985 im hohen Alter von 91 Jahren in New York starb.

pix © André Kertész, Distortion n° 41, 1933 (mit Selbstportrait von André Kertész), Sammlung Maison Européenne de la Photographie, Paris

Man ahnt, dass er und Dali sich inspiriert haben müssen in ihrer Kunst, sieht man seine Arbeiten unter dem Titel „Distorsion”. Fotografien, die Akte mit optischen Verzerrungen zeigen, die für die frühe Zeit ihrer Entstehung sicherlich Bewunderer und dennoch kaum Befürworter fanden. Er arbeitete mit Lichtreflektionen, stellte Bereiche aus seinen Fotos frei, vergrößert diese, sieht früh geometrische Strukturen innerhalb von Räumlichkeiten und bildet sie ab. Er war ein Meister der Schattenfotografie. Die Größe seines Werkes fällt vor allem dann auf, sieht man zu seinen Fotos die sehr frühen Jahreszahlen ihrer Entstehung und erfährt damit vor allem die Bedeutung seines Forschungsdranges in der Fotografie, hat er schon Fotobearbeitung und somit Stilrichtungen präsentiert als viele Fotografen über das Anfertigen von Ausschnitten ihrer Fotografien längst noch nicht nachdachten. Er wollte nie bloß abbilden, Skizzenvorlagen für malende Kollegen schaffen, was in seiner frühen Zeit des Schaffens noch der Stellenwert von Fotografie war. Für ihn war die Fotografie das Führen seines Tagebuches, er gebraucht sie zur Dokumentation seiner eigenen Emotionen in einem Augenblick. Selbst seine statischen Aufnahmen wirken so erstaunlich lebendig.

pix © André Kertész, Schwimmer unter Wasser, Esztergom 1917, Bibliothèque nationale de France

André Kertész hat erstaunlich viel veröffentlicht, auch wenn er wie viele seiner Kollegen erst posthum in seiner verdienten Größe bekannt geworden ist. Eigene Bücher und seine in unzähligen Zeitschriften unterschiedlicher Genres gezeigten Fotos präsentieren sein Schaffen. Diese Publikationen werden ebenso in der Ausstellung gezeigt und dokumentieren ein ganzes Jahrhundert kulturelles Zeitgeschehen. Zum Ende seines Lebens widmet Kertész sich wieder einer sehr neuen fotografischen Technik: den Polaroids. Auch aus dieser Schaffensphase werden in der Ausstellung Beispiele gezeigt und selten wurden zuvor ausdrucksvollere kunstvollere Polaroids gezeigt, wie die seinen!

Sibylle Bergemann-Edition

2011-08-24T14:32:00.017+01:00

Die im vergangenen Jahr verstorbene Fotografin und Mitgründerin der OSTKREUZ-Agentur, Sibylle Bergemann, wäre am 29. August 2011 70 Jahre alt geworden. Zu ihren Ehren läuft bereits seit dem 2. Juli und noch bis zum 4. September diesen Jahres die Ausstellung „Polaroids” im C/O Berlin. Tatsächlich wird dort ausschließlich der fotografische Arbeitsprozess von Sibylle Bergemann mit Polaroids präsentiert, einem Medium, dem Bergemann 40 Jahre lang intensiv zugetan war. Diese Arbeit ist von historischen Ausmaß, begegnet man dabei den Arbeiten der Fotografin vor und nach dem Mauerfall – einem existentiellen Erleben, das in ihren Fotografien sichtlich nachwirkt.

pix © Sibylle Bergemann

Die Agentur OSTKREUZ selbst relauncht ihren OSTKREUZ-Store. Dort können die Arbeiten aller OSTKREUZ-Fotografen, je nach Arbeits- und Publikationsart, als Print erworben werden. Und anlässlich ihres Geburtstages ist dort nun eine Sibylle Bergemann-Edition mit 15 Klassikern ihrer Polaroids zu erwerben.

Kazuma Obara

2011-08-22T16:10:00.010+01:00

Der japanische Fotograf Kazuma Obara hat als erster Fotograf die Möglichkeit erhalten – nicht autorisiert – die Reaktoren in Fukushima zu besuchen, um dort zu fotografieren. Obara besuchte neben seinem 9-to-5-Job eine Fotojournalistenschule. Die Erfahrung mit dem Tsunami im Frühjahr diesen Jahres, hat ihn sein Leben komplett umstellen lassen. Er quittierte seinen Job in der Finanzabteilung bei Mitsubishi und folgt nun ausschließlich noch seiner Leidenschaft, der Reportagefotografie.

„Frontline in Fukushima” ist auf seiner Homepage zu sehen.

pix © Kazuma Obara, Frontline in Fukushima

Er führte dazu ein Tagebuch, das unter den Fotos gesetzt auch in Englisch nachzulesen ist. Ein weiteres seiner Projeke ist die Porträtreihe der Opfer des Tsunamis.

Ode an ein Modell 2.0

2011-08-05T11:16:00.005+01:00

Stephan Kleinert schreibt auf seinem Blog massenbelichtungswaffen einem Jungmodell und dieses Schreiben ist jedem Amateurmodell von Herzen mit reinen Absichten nahezulegen. Teil 1 war bereites lesenswert.

Online-Fotografiekurse bei creativeLIVE.com

2011-05-16T15:16:00.012+01:00

creativLIVE versteht sich als Klassenzimmer im Internet mit dem Fokus auf kreative Ausbildung. Die Kurse, die sich mit Fotografie, Kameratechnologie, Video, Web- und Grafikdesign beschäftigen, können meist live online zum Zeitpunkt der real in den Studioräumen in Seattle stattfindenden Workshops am Monitor verfolgt werden. Und zwar gratis! Fragen sind via Chatroom zu stellen bzw. kann mit den anderen Teilnehmern im Web in Echtzeit zum Seminar kommuniziert werden. Das Geschäftsmodell dahinter ist simpel, die Kurse können bei Versäumnis aber Interesse online später auch abgerufen werden – dann gegen einen Beitrag von je nach Thema und Dauer für 49,— bis 149,— US-Dollar.

Die Dozenten der Workshops sind namhafte Fotografen und Designer, die in den USA in ihrem jeweiligen Themenbereich einen untadeligen Ruf besitzen und über die Landesgrenzen bekannt sind. Sprache der Workshops ist natürlich englisch, die sind nicht untertitelt. Die Seminare finden üblicherweise am Wochenende statt, das heißt hierzulande setzt man sich abends um 19:00 Uhr vor den Screen und muss sich bis morgens 02:00 Uhr wach halten, das lässt einen nach drei Tagen am Montag morgen nicht ganz frisch aus der Wäsche gucken – aber das Input ist es wert!

Eine der Workshop-Fotografien von Penny de los Santos, pix © penny de los santos

Vergangenes Wochenende fand der Workshop „Food and Culture Photographie“ mit Penny de los Santos statt. Penny ist in Food-Fotografen-Kreisen bekannt, sie fotografiert u.a. Foodreportagen für das Saveur Magazine. Dabei arbeitet sie selbst im Studio am liebsten mit Available Light, bedient sich weniger Hilfsmittel wie Reflektoren – je nach Bedarf als Aufheller oder Abschatter eingesetzt. Dieser Workshop war im höchsten Maße erkenntnisreich und inspirierend, es ist immer großartig vom Wissen der Kollegen und von deren Erfahrungen partizipieren zu können! Dem Kurs vor Ort gleichgestellt, gab es für die Online-Zuschauern die Möglichkeit, sich mit eigenen Arbeiten aktiv via flickr-Gruppe der Kritik der Profis zu stellen. Penny de los Santos hatte am ersten Workshoptag zwei interessante Gesprächspartner via Onlinekonferenz dazu gebeten, James Oseland, den Editor des Saveur Magazines und Larry Nightswander, der eine Auswahl von ersten Fotos mit hoher Eloquenz und Witz kritisierte. Hausaufgaben, die zum nächsten Tag online gestellt werden konnten, gehörten mit zum Programm und wurden an den beiden folgenden Tagen ebenso besprochen.

Regierten am ersten Workshop-Tag das Wort und Powerpoint, ging es am zweiten Workshoptag ab in die Studioküche und Penny zeigte mit ihrem Prop- und Stylistenteam, wie man sich an das perfekte Fotos im Studio im Team heran arbeitet. Was bei einem Setting eine Sache von einer halben Stunde sein kann und bei einem anderen Setting sich schon als Stundenaufgabe herauskristallisieren wollte. Man steckt nie drinnen, auch die Profis nicht, das mag dem Foodblogger als Laienfotografen eine Motivation sein! Zwischendurch werden immer wieder Fragen der Teilnehmer im Internet beantwortet als auch natürlich die der Workshopteilnehmer vor Ort, die zum Schluss des zweiten Tages selber Settings mit dem Team erarbeiten und fotografieren konnten. Abschließende Kritik gab es frei Haus. Ebenso praktisch veranlagt der dritte Workshoptag, man simulierte auf dem Hof ein Oyster-Barbeque, das von den Teilnehmern „on the Job“ fotografiert werden sollte. Da offenbarte sich schnell das Können der Teilnehmer, denn Food als Reportage schnell und kompetent ablichten zu können, ist eine ganz andere Herausforderung als das ruhige Erarbeiten eines Food-Stills im Studio. Den Workshop hat Penny de los Santos mit bemerkenswerter Sympathie, menschlich mit hoher sozialer Kompetenz gehalten, ihre fachliche Kompetenz ist sowieso nicht zu bestreiten. Kurz: diesem Workshop beiwohnen zu dürfen, ist mein bisheriges Highlight im Bereich Weiterbildung 2011 gewesen. Übrigens: Penny de los Santos beschreibt auf ihrem Blog ihre eigenen Eindrücke und zeigt Arbeitsproben der letzten Tage.

Der nächste Gratis-Workshop findet bei creativeLive vom 29.-31 Juli. 2011 statt. Thema: Streetphotography, dann werden die beiden Fotografen von Lightenupandshoot.com interessierten Fotografen das Thema Licht und Style in der Streetphotography näher bringen. Einfach registrieren und sich für den kostenlosen Kurs anmelden – und den Termin im eigenen Kalender eintragen nicht vergessen. Auch der nächste Kurs steht schon in der Pipeline, den hält niemand Geringeres als Rick Salmon!

Wer eine Eindruck von der Qualität dieser Workshops bekommen möchte, dem empfehle ich die Appetizer des Workshops „Posing und Lightning“ von Bambie Cantrell anzusehen. Cantrell ist eine hoch dotierte, eigentlich DIE Hochzeits- und Porträtfotografin in den USA – und eine hervorragende Dozentin, kurzweilig, humorvoll mit immens hoher fachlicher Kompetenz. Der erste Film geht fast anderthalb Stunden und offenbart dem Zuschauer viele kleine Tipps zum Thema Posing bei der Porträtfotografie. Und ja, die Workshops kann man verschenken!

Die Kunst Erotik perfekt zu verkaufen …

2011-05-02T17:08:00.010+01:00

ist mit ihrer Webseite der Berliner Escort Agentur Greta Brentano® – A Muse tonight rundherum gelungen.

Hier wurden Konzept, Design und Text genauso hervorragenden einzelnen Profis überlassen, wie vor allem die Fotografien der einzelnen Musen, die dem Kunden das Nachtleben Berlins versüßen sollen. Wundervolle Fotos von wunderschönen Frauen, die sehr stilvoll in Szene gesetzt, wie sonst selten im Bereich der käuflichen Erotik, präsentiert werden.

Kompliment an diese Homepage, die selbst Nichtkunden und
-kundinnen mehr als nur visuell anspricht und zum Schlendern einlädt – selbst der musikalischen Untermalung darf man trauen! Und Kompliment an den Fotografen und Uwe Hauth für die besonders elegante Bildsprache.

Time Magazine – neues Fotoblog

2011-03-19T11:01:00.004+01:00

Das Time Magazine hat diese Woche den Starschuss für ein neues Fotoblog LightBox gegeben. Die Fotoredaktion vom Time Magazin wollen in LightBox über Eindrücke aus dem Alltag, Hintergründe von Shootings bloggen und die Geschichten der Fotografen erzählen, deren Arbeiten es ins Time Magazin geschafft haben.

Japan II

2011-03-15T12:47:00.006+01:00

Während hier deutlich Worte zur Bildmanipulation der Presse aus Kampfgebieten gefunden wurden, (ich empfehle zu diesem Thema auch das Buch von Loris Luyendijk „Wie im echten Leben“) sind diese Fotos aus dem Katastrophengebiet in Japan schmerzhaft real.

Japan

2011-03-13T11:04:00.001+01:00

Aktuelle Satellitenfotos von den Küstenbereichen Japans vor dem Erdbeben bzw. dem Tsunami und danach.

Katy Grannan

2011-02-23T18:25:00.005+01:00

Katy Grannan, geboren 1969 in Arlington, Massachusetts hat diesen Blick für schräge Alltagstypen, die sie in ihrem Projekt „Model American“ höfliche Abstinenz zur Kamera pflegen lässt. Und sie hat diese für eine Fotografin großartige Homepage, auf der sie gelassen ein einziges Werk ihrer Arbeit präsentiert. Das nenne ich Understatement!

© Katy Grannan

Etwas mehr von Katys aktueller Arbeit ist indes auf der Homepage der Fraenkel Gallery zu sehen.

City of Shadow

2011-02-15T14:16:00.001+01:00

Der Autor Peter Doyle hat in dem Fotoband „City of Shadows“ Polizeiaufnahmen von Kriminellen in Sidney aus den Jahren 1912-1948 zusammen getragen und veröffentlicht. Ein Verzeichnis vieler weiterer Aufnahmen des vergangenen Jahrhunderts, einschließlich Fotos von Schauplätzen von Verbrechen – von einer erstaunlich hohen technischen Qualität – sind auf der Homepage von Historic Houses Trust zu sehen.

via La boite verte

Neujahrskäse

2011-01-04T15:44:00.003+01:00

Mit diesem Foto hat sich übrigens heute die Entscheidung manifistiert, dass diese Canon ixus 90 die letzte Canon in meinem Leben gewesen ist. Pünktlich mit dem Besitz von zwei Jahren und nach Ablauf der Garantie (und zwar offensiv zu pünktlich auf den Tag) löste sich vom Auslöser die Platte und ich löse jetzt auf einer Feder aus. Letzte Woche gab es die erste Objektivfehlermeldung, die sich mit diesem Foto manifestiert hat (hier war die Makrofunktion aktiviert und es wurde auf den Käsekuchen scharf gestellt und ja, ich weiß, wo die Nahstellgrenze der Kamera liegt.). Und über die Bildqualität bei 800 ISO, ach lasst uns schweigen. Das wäre alles nur halb so dramatisch, wenn ich nicht genau wüsste, dass Canon bis zur ixus 400 richtig gute Kompaktkameras gebaut hatte. Und ich habe diese Kamera wirklich wenig benutzt, weil ich sie als Zweitgerät nur rumtrage, wenn ich die große Pentax nicht dabei habe.

Canon, Ihr seid kapitalistische W…er! Ihr seid unsympathisch. Und ich war mal Eure Kundin. Sogar eine begeisterte Kundin! W A R!

Mein Instrument und ich!

2010-11-30T14:50:00.005+01:00

pix © hupe

Ärztin und Musik-Journalist, das sind die Erst- oder Zweitberufe des Berliner Fotografenkollektivs Hupe. Frisch auf deren Webseite zeigen sie ihre Fotoreihe „Mein Instrument und ich“. Schüler eines Berliner Gymnasiums mit musischem Schwerpunkt präsentieren ihr Instrument. Im Ergebnis sieht man stimmungsvolle lebendige Fotos, die stilistisch gekonnt, teils recht humorvoll von der Liebe zur Musik und den jeweiligen Instrumenten erzählen. Fotografiert wurde übrigens mit einer Pentax K7.

Hier entlang zur Gallerie.

Thomas Shahan und die lieben kleinen Tierchen …

2010-11-28T13:10:00.009+01:00

pix © Thomas Shahan, Female Phidippus mystaceus Jumping Spider

Nix für Arachnophobiker sind die wundervollen Insekten-Makrofotografien des US-Fotografen Thomas Shahan. Einsteiger in die Makro-Fotografie dürfen sich insbesondere durch Thomas' Fotos motiviert sehen. Alle Makros sind mit einer digitalen Pentax K200 und einer 28mm bzw. 50mm Festbrennweite aus analogen Tagen, mit einem Umkehrring auf die Kamera aufgezogen, entstanden. Mitnichten also teure exklusive Makro-Technik. Einen Umkehrring bekommt man für kleines Geld für das jeweilige Filtergewinde. Dito analoge Pentax-Objektive zum Einstieg beim Auktionator, das Pentax M 28mm 2.8 gibt es dort im Schnitt für € 30,–. (Umkehrringe sind natürlich für alle Kamerahersteller verfügbar.)

Und in der insektenarmen Winterzeit gibt es zum Üben die dazu passenden Heimchen im Zoohandel.

Thomas Shahan über seine Arbeit auf YouTube:

Edmund Clark – If The Light Goes Out

2010-11-17T19:00:00.004+01:00

Auch die Berlinische Galerie steht mit ihren Ausstellungen ganz im Zeichen der Fotografie im Europäischen Monat der Fotografie Berlin 2010. Arno Fischer wird mit einer Ausstellung und mit dem Kunstpreis der Stadt Berlin für sein Lebenswerk geehrt. Nebenbei begegnet man vielen weiteren wundervollen Fotografen und Künstlern. Emil Otto Hoppé wird mit Arbeiten aus der Reihe Deutsche Arbeit. Bilder vom Wiederaufstieg Deutschlands und Porträts aus seiner Zeit als UFA-Fotograf präsentiert. Die Schärfe der gezeigten Vintages beeindrucken enorm.

pix © Edmund Clark, Guantanamo – If The Light Goes Out

Besonders berührend das Werk des britischen Fotografen Edmund Clark, der in der Gemeinschaftsausstellung der sieben Partnerstädte des Europäischen Monats der Fotografie „Mutations III“ seine Arbeit Guantanamo: If The Lights Go Out zeigt. Gezeigt als Mulitmedia-, Print- und Online-Präsentation. Das Entstehen der Online-Ausstellung kann in diesem Monat miterlebt werden, denn Clark präsentiert auf der Homepage Guantanamo – If The Light Goes Out jeden Tag ein Foto mehr aus seiner Serie, die er in Guantanmo Bay fotografiert hatte. Also dem Ort, wo die US-Amerikaner Muslime, denen sie vermeintlich Terror-Aktivismus unterstellt haben, gefangen genommen und in den Verhören – weltweit bekannt – schwer gefoltert haben.

Edmund Clark zeigt in den Fotos Details aus dem Alltag der Kriegsgefangenen aber auch aus dem Leben der dort stationierten Amerikaner. Diesen Fotos wiederum wird täglich ein Zitat der Betroffenen von Guantanamo Bay, den Gefangen, ihren Anwälten und den Soldaten an die Seite gestellt.

In der Ausstellung in der Berlinischen Galerie werden zur multimedialen Präsentation der Fotos aus If The Light Goes Out die Songs der US-Künstler, beispielsweise Bruce Springsteen oder Neil Diamond, gespielt, mit denen die Insassen tagelang und über Jahre gefoltert wurden. Zu dem Gespür des Betrachters hinsichtlich der Machtlosigkeit der Insassen, gesellt sich die Frage, was kann ein Künstler dagegen unternehmen, dass seine Musik zur Folter missbraucht wird? Wie sehr wird die eigene Kunst ungewollt und unbeeinflussbar vom Krieg beschmutzt? If The Light Goes Out ist auch als Buch erhältlich.

Alle drei besprochenen Ausstellung sind noch bis zum 28. Februar 2011 zu sehen!

Francesca Tallone

2010-11-17T11:07:00.010+01:00

Francesca Tallone, kanadische Fotografin, gehört zu den Bildkünstlerinnen, die sich nach wie vor intensiv der analogen Fotografie verschrieben haben. Auf ihrer Homepage patternclash zeigt sie ihre Arbeiten, dann digitalisiert, die eine erstaunlich durchgängige Ruhe in der Bildsprache besitzen. Insbesondere durch den Bruch, den sie mit der Verletzung der üblichen fotografischen Regeln hervorruft, indem sie ihren Sujets im Foto bewusst die geringste Präsenz zukommen und lieber leere Fläche im Bild regieren lässt und genau dort anschneidet, wo man laut fotografischem Ur-Lehrgut nicht schneiden soll, erhalten ihre Fotografien ein ureigene Dynamik, die dem Betrachter viel Raum für eigene Ideen schafft.

pix © Francesca Tallone

In dem Projekt Giving Up The Ghost hat Francesca Tallone mit Doppelbelichtungen Geister erschaffen, die mit weiblichen Formen in die streng-geometrischen Linien des Alltags eindringen, die Geschichten dahinter scheinen mit zarter Melancholie endlos erzählt im toten Raum.

Mini-Fotomarathon Berlin

2010-11-07T12:39:00.010+01:00

Gestern habe ich erstmals am Foto-Marathon teilgenommen. Der herbstlichen Mini-Version, die anlässlich des Europäischen Monats der Fotografie Berlin stattfand. Mini heißt im Vergleich zum großen Marathon nur 25 Teilnehmer und nur vier Themen, die in chronologischer Reihenfolge zu einem Oberthema binnen drei Stunden auf die Speicherkarte gebrannt werden. Beim großen Foto-Marathon im Sommer in Berlin nahmen 600 Leute teil, bunt gemischt zwischen Hobby- und Profifotografen, einzeln oder im Team. Die mussten innerhalb von 12 Stunden 24 Themen abhandeln. Den ersten Preis machte 2010 übrigens eine Teilnehmerin mit einer Kompaktkamera. Also bitte kein Technikstress und glauben, der Fotomarathon ginge nur mit elitärer Technik. Es geht letztendlich darum, die vorgegebenen Themen gut mit dem Oberthema zu verbinden und kreativ eine Linie fortschreiben. Es geht also um das Sehen und eigene Kreativität.

Das Wetter sorgte pünktlich zum Start für regenfreie Zone und so konnten ich und Susanne uns primär auf die Welt da draußen konzentrieren, obwohl wir das erste Foto (auf dem auch immer die jeweilige Teilnehmernummer abgebildet werden muss) noch in einem nahegelegenen Café umsetzten. Susanne mit Sprühsahne (erstaunlich, wo man in Berlin überall Sprühsahne erhält und ebenso erstaunlich, wo und wann man in Berlin Sprühsahne auch wieder los wird) und ich mit Streichhölzern. Wenn das erste Foto im Kasten ist, dann fließt es nur noch von Ideen, ein spannender Prozess. Die restlichen Motive schenkte uns die Friedrichshainer Umwelt. Drei Stunden später sind wir wieder in der Galerie Orange zusammen gekommen. Dort hängen übrigens noch bis zum Januar 2011 die Serien der Preisträger 10x Fotomarathon Berlin mit den diesjährigen Gewinnern des Fotomarathons in Kopenhagen und Cardiff. Wir haben uns unsere Fotos zusammen angeguckt, was mit einen großen Reiz dieses Marathons ausmacht – die Kreativität und Umsetzung der Themen der anderen zu erfahren. Die Ergebnisse waren teilweise technikorientiert (man sieht sofort, wer mal bei dem Canon Blitzworkshop war) und an anderer Stelle unglaublich kreativ in der Kürze der Zeit. Man sieht, da haben die Fotografen mit ihrer Begleitung (Modells sind erlaubt) unglaublich viel Spaß gehabt. Es gab kunstvolle Inszenierungen und Streetphotography par excellence zu sehen. Am interessantesten die Fotos zum 3. Thema Zum Lachen, Humor ist und bleibt doch eine sehr subjektive Angelegenheit.

Das Oberthema war Hier bin ich Mensch und die Unternehmen (die in genau der chronologischen Reihenfolge abgebildet sein mussten)

1. Aus purer Lust (mit Teilnehmernummer)
2. Geheime Orte
3. Zum Lachen
4. Kaufrausch

Mit so einem Mini-Fotomarathon kann man sich auch dröge Wintertage ganz gut selbst mit Freunden gestalten, sich zum Rausgehen zwingen (es gibt ja kein schlechtes Wetter …). Eigentlich braucht man nur ein paar Mitstreiter und einen Themengeber, der extern der Fotografen mit Ideen für Themen spendabel sein sollte. Wir machen das wieder, bis zum großen Fotomarathon im nächsten Sommer ist es noch lange hin … der findet kommendes Jahr in Berlin übrigens am 18.06.2011 statt. Hier den Newsletter abonnieren, um auf dem Laufenden zu bleiben. Es werden übrigens Mitstreiter für's Organisationsteam gesucht!

Hier meine Aufnahmen, die Fotos der anderen sind hoffentlich bald auf auf flickr zu bewundern, sofern sie von den Teilnehmern hochgeladen werden …

„Hier bin ich Mensch“ 1. Aus purer Lust

2. Geheime Orte

3. Zum Lachen

4. Kaufrausch

Zweitjob: Fotograf

2010-11-03T10:40:00.010+01:00

Dass dem gemeinen Fotografen die Tendenz zum Zweitjob an sich nicht fremd ist, liegt in der Natur des mageren Verdienstes begründet. Schwamm drüber. Und selbstverständlich empfiehlt sich die Tendenz einer Künstlerseele auch anderen Kunstformen zu Dienste zu sein. So begegnet man immer wieder Menschen aus dem Showbusiness über die hinter vorgehaltener Hand geflüstert wird „Der fotografiert jetzt auch!“, während die andere aus ihrer weiteren Berufung keinen Hehl macht.

Bryan Adams, zum Beispiel, könnte jüngeren Generationen mittlerweile eher als Promi- und Charity-Fotograf geläufig sein, denn als Musiker. Nicht, dass er nicht nach wie vor konsequent und regelmäßig Platten produzieren würde und kontinuierlich weltweit Konzerthallen füllte, aber er produziert eben auch sein eigenes Mode- und Fotomagazin ZOO und hat sich längst seinen Namen gemacht als Fotograf. Ach und ja, er kann das – überzeugt Euch selbst!

Oder Helena Christensen. Das kann aber vielleicht sehr nahe liegen als Fotomodell irgendwann selbst zur Kamera zu greifen, mag das Warten über die Jahre auf dem Set hier natürlich einem intensiven Bildungsurlaub in Lichtsetzung gleich kommen. Christensen agiert erfolgreich – und übrigens nach professioneller Ausbildung zur Fotografin – mittlerweile mehr hinter der Kamera als davor. Mit Understatement übrigens. Eine Homepage, die dem Normalsterblichen ihr Können präsentiert? Hat sie nicht nötig!

Dennis Hopper, begnadeter Schauspieler, Regisseur, Maler und Fotograf, schlicht Tausendsassa, nutzte die Fotografie zur Selbstbefruchtung für all seine anderen Künste und Talente: „Ich habe etwas gemacht, von dem ich dachte, dass es eines Tages Bedeutung haben könnte. Es sind wirklich diese Fotos, die meine Kreativität beflügelt haben.“

pix © Jeff Bridges

Das mag auch für Jeff Bridges gelten, der schon seit 30 Jahren am Filmset allzu gerne die Arbeit hinter den Kulissen demonstriert und diese intimen Arbeitsmomente fotografisch auf seiner Webseite gerne, teilweise mit humorvollen Anmerkungen, dokumentiert. Und seine Fotos später als Buch aufbereitet der Crew überreicht, als Erinnerung für die gemeinsame Arbeit. Bridges fotografiert mit einer Widelux, einer 35mm Panoramakamera mit Schwingenobjektiv.

Evolution eines grauen Hintergrundes

2010-10-30T09:37:00.006+01:00

Wer als Laienfotograf mit Studiofotografie zu Hause beginnen möchte, sieht sich schnell mit einer immensen Auswahl an Technik konfrontiert und vor viele Entscheidungen gestellt. Hat man endlich gewählt, ob man vom Baustrahler nun auf Slave-Blitze oder gleich auf Blitzköpfe gehen möchte und sich gleichfalls für die passenden Lichtformer entschieden, folgt alsbald die Frage, was für einen Background soll ich für mein Studio kaufen? Stoff? Papier? Schwarz, weiß, blau, rot? Die Antwort lautet simpel: grau!

Graue Vorhänge lassen sich mit wenigen Änderungen im Setting und mit sehr wenigen technischen Hilfsmitteln (zweiter Blitz, Folie) praktisch zu einem weißen oder schwarzen und sogar farbigen Studiohintergrund umwandeln. Gavin Hoey, Profi-Fotograf aus Großbritannien, ist einer der netten, der sein Fachwissen gerne mit Einsteigern und Lernwilligen teilt, erklärt das „How to“ schnell und effektiv auf YouTube in diesem Clip – übrigens mit nur zwei Slave-Blitzen realisiert:

Guckt es Euch lieber auf YouTube an, es lässt sich nicht auf diese Blogbreite runter skalieren. Alle Tutorials von Gavin auf YouTube.

Emera

2010-10-29T14:05:00.006+01:00

Ist es nicht schön, dass die Fotoindustrie das fotografierende Konsumweibchen entdeckt hat? Kameras in Pink und „Hello Kitty“-Optik, die fotografierende japanische Teenieschaft kennt sogar eigene Fotomagazine für's Mädchen komplett in High-Key gestaltet. Und ich warte auf den Tag, an dem die Bedienknöpfe einer jeden Kamera physikalisch Pornoschaufeln gerecht angehoben werden.

Das Gerücht sagt ja, ich würde nur fotografieren, weil ich so heimlich meine Taschensammelleidenschaft einer neuen höheren Ebene zuführen könnte. Das Gerücht ist gar keines und weil es sowieso die richtige Fototasche für den richtigen Fotozweck nie geben wird, kommt Emera ausschließlich zum Zweck der Sammlungserweiterung um die Ecke! Das Damenhandtäschchen in charmanter Konferenztaschenoptik, das auch mit gehobener Balgenkameratechnik fertig wird.

Oder fotografischem Premiumcontent zum immer dabei haben.

Die Emera-Bags kommen gesteppt oder in Canvas. Und nicht in pink!

Beachten Sie bitte in den Beschreibungen, dass heute auch bei den Mädchen bereits das iPad vor den (Fotofrauen-)Zeitschriften sortiert wird. Schön!

Vaterfreuden

2010-10-28T12:30:00.002+01:00

hier freut sich ein Vater an dem ersten Bildmaterial von seinem Sohn erstellt. Talent ist eindeutig zu erkennen! Ich tippe für später auf Wildlife …

Mikrofotografie. Schönheit jenseits des Sichtbaren

2010-10-15T10:12:00.009+01:00

Im Rahmen des Europäischen Monats der Fotografie Berlin, der heute offiziell startet, wird im Kaisersaal des Museums für Fotografie schon seit dem 1. Oktober 2010 die Fotoausstellung Mikrofotografie. Schönheit jenseits des Sichtbaren gezeigt. Eher zufällig bin ich bereits einen Tag später in die Ausstellung geraten, weil endlich die Alice Springs-Ausstellung gesehen werden wollte. Und ich war begeistert, wie es auch alle anderen meiner begleitenden Freunde waren. Die Fotografien zeigen die Entwicklung der Mikrofotografie mit sehr frühen Exponaten von 1840 bis zu unserer heutigen technisierten Epoche. Während früher die Mikrofotografie ja ausschließlich der wissenschaftlichen Entdeckung galt und Forschungsarbeit unterstützend diente, wird diese Form der Fotografie heute farbenprächtig gerne auch als eigene Kunstform präsentiert.

pix ©Manfred Kage, Charismon, flüssige Kristalle

Die Ausstellung offenbart diesen Weg, präsentiert Exponate und erste Fotografen in diesem Sujet und holt den Betrachter ganz nahe heran an die Oberflächen von kleinsten natürlichen Geschöpfen oder chemischen Gebilden. Man ist unendlich gerührt und fasziniert zugleich, steht man beispielsweise vor der Reihe unzähliger verschiedener Schneeflocken in einer Ahnengallerie einzeln abgebildet.

pix © Heinrich Heidersberger 1956/Institut, Schneesternchen

Es ist eine außergewöhnlich faszinierende, spannende und gleichfalls inspirierende Ausstellung, die man sich wirklich nicht entgehen lassen sollte. Sie kann noch bis zum 09. Januar 2011 besucht werden.

„Auf Wunsch der SPD im Urlaub“ – Das Leben und Wirken von Willi Kressmann

2010-10-14T10:20:00.006+01:00

Es ist typisch Berliner Charme, wenn sich eine Markthalle anschickt Kulturort zu sein. Das tut derzeit die Marheineke Markthalle in Kreuzberg in ihrer Galerie auf der oberen Etage, wo das Ladengeschäft nach dem Hallenumbau längst nicht so funktionieren wollte wie geplant. Die Fläche ist nun freigeben für Ausstellungen und den Anfang machte in diesem Jahr der Karikaturist Klaus Stuttmann mit seinen politischen Karikaturen, gefolgt vom Berliner Fotografen Wolfgang Krolow, der in einer Werkschau seine Kreuzberger Kiezfotografien zeigte.

Keine reine Fotoausstellung ist die aktuelle Präsentation „Auf Wunsch der SPD im Urlaub“ zum Leben und Schaffen von Willi Kressman, der als Kreuzberger Bezirksbürgermeister in drei Legislaturperioden von 1949 bis 1962 den Wiederaufbau und Gestaltung des Bezirkes wie kein anderer bewirkte. Diese Aussstellung, eine Gemeinschaftsproduktion vom Bezirksmuseum Kreuzberg und der Communitiy Impulse Initiative, wurde anlässlich des 100. Geburtstages von Willi Kressmann im Jahr 2007 bereits im Kreuzberg Museum für Stadtentwicklung bereits gezeigt und wird nun in der Marheineke Markthalle nochmals einem breiteren Publikum zugänglich gemacht. Neben der fotografischen Dokumentation des Lebens von „Texas-Willi“, diesen Spitznamen erhielt er von den Berlinern aufgrund seiner Ehrenbürgerschaft von Texas, sind interessante Dokumente aus dem Alltagsleben dieser Zeit zu sehen. Willi Kressmann war ein kantiger unbequemer Politiker, der gegen den florierenden Schwarzmarkt und auch sehr direkt, losgelöst von der großen Politik, gegen die Errichtung der Mauer in seinem Bezirk kämpfte. Ihm lag vor allem das soziale Wohlergehen seiner Wähler am Herzen für das er sehr aktiv eintrat. Kressmann war beispielsweise der Begründer dessen, was man heute als den „Fahrbaren Mittagstisch“ kennt.

Eine in der fotografischen Dokumentation interessante Ausstellung, nicht nur zu Kreuzberg, sondern auch zu der Zeit in Berlin im Wiederaufbau, die sehr besonders war. Interessant zu erkennen, dass manche Probleme in dieser Stadt, trotz dem Wandel heute nach wie vor aktuell sind. „Auf Wunsch der SPD im Urlaub“ noch zu sehen bis zum 30. Oktober 2010 in der Marheinke Markthalle, geöffnet Mo-Fr von 08:00-20:00 Uhr, Sa von 08:00-18:00 Uhr

Endlich Lichtsetzung im Studio verstehen!

2010-10-05T15:00:00.017+01:00

Das ist das Buch auf das vor allem angehende Studiofotografen gewartet haben: „Licht und Beleuchtung in der People- und Porträtfotografie“ von Friedrun Reinhold. In seinem Vorwort erzählt Reinhold pragmatisch von seinem Werdegang zum Lichtkünstler; nämlich über sein eigenes Scheitern als junger Fotograf als ihm in einem Studio zu viel Auswahl an Lichtquellen und –formern präsentiert wird und er mit seinem theoretischen Fachwissen vor soviel Praxismöglichkeit kapitulieren muss. Und so steigt Reinhold sehr schnell in die praktische Arbeit mit Lichtquellen ein. Dabei sind die Kapitel, die Licht als solches erklären, den Aufbau des eigenen Studios oder die Arbeit mit Belichtungsmessern denkbar knapp gehalten und schnell abgehandelt. Zu Recht, wer dieses Buch kauft, hat sich Fachwissen zu diesen Themen längst schon angeeignet. Nicht schrecken muss das fünfte Kapitel zu den einzelnen Lichtsystemen, die der Markt kennt. Als professioneller Fotograf setzt Friedrun Reinhold verständlicherweise auf das System eines Profi-Studiolicht-Herstellers und dessen umfangreiches Equipment. Dem Anfänger oder fortgeschrittenen Laien reichen auch die Studiolichtanlagen und Zubehör der Produzenten, die nur ein Zehntel der im Buch verwendeten Technik kosten.

Links Theorie, rechts Praxis – das Verhältnis stimmt einfach!

Der Rest im Buch besteht aus purer Praxis. Klar strukturiert. Kapitel sechs ist jedem Autodidakten ans Herz gelegt, der sich beim Kauf seiner ersten Studioanlage vom breiten Angebot aller verfügbaren Lichtformer überfordert sieht. Es werden die Aufgaben aller verfügbaren lichtformenden Hilfsmittel besprochen und im Einzelnen praktisch am Stillleben Büste auf Sockel mit entsprechender Lichtzeichnung und Schattengebung unter den gleichen Abstands- und Technikbedingungen – sofern möglich – vorgestellt. Ob Snoot, Hard-Box oder Beauty Dish, mit und ohne Waben, Softboxen in allen Varianten von Oktra bis Striplight, Schirme in weiß, silber oder Durchlicht-Schirm. So werden in vergleichbarer Situation mit dem Licht unterschiedliche Effekte gezeichnet. Ein Profifotograf wird eher Anregungen für den allzu etablierten Alltag mitnehmen, der Laie aber erhält einen ersten umfangreichen Einblick in die Lichtgestaltung und ist am Ende für sich in der Lage zu entscheiden, welcher Lichtformer seiner Idee von Porträtfotografie am nächsten kommt. Ich denke, gerade dieses Kapitel war in der Entstehung reine Fleißarbeit, für den Betrachter aber von hohem Wert und längst genauso gewünscht.

Im folgenden Kapitel eine weitere Übung zum Sehen von Licht, ab sofort unter dem Einsatz von Studiolicht, Hintergrund und Reflektoren – dieses Mal am lebenden Sujet im Portrait. Während man rechtsseitig das fotografische Ergebnis im CloseUp sieht, ist links der Studioaufbau gezeichnet und mit ergänzenden Hinweisen zum Fall von Licht und Schatten versehen.

Klare Struktur – links der Studio-Aufbau, rechts das Resultat

Hier wäre wohl der einzige Kritikpunkt zum Buch zu nennen, die Zeichnungen sind perspektivisch leider nur Mittelmaß. Und so dauert es gelegentlich eine Weile, bis man sich in den Aufbau hinein versetzen kann. Dem gleichen Prinzip folgen Kapitel 8 und 9 – einmal aus dem Studio getragen, „on location“ eingesetzt. Und zurück wieder zur Arbeit im Studio, nun aber regelrecht inszenierte Fotos mit deutlich mehr Aufwand und Technik umgesetzt, da wird auch mit Farbe gemalt.

„Licht und Beleuchtung in der People- und Porträtfotografie“ ist ein Gewinn für jeden Studiofotografen und jene, die es werden wollen. Friedrun Reinhold geht auf die Licht- und Farbkomposition kurz aber klar erläuternd ein und der Leser versteht in der Folge viel besser, was Licht, Lichtformer, Reflektoren und Abstand zum Hintergrund im Resultat eines Fotos bewirken. Der große Vorteil dieses Werkes liegt letztendlich in der Fleißarbeit, die der Autor geleistet hat – und das war im Bereich Studiofotografie, mit Verlaub, längst fällig. Meine Empfehlung: kaufen!

„Licht und Beleuchtung in der People- und Porträtfotografie“ von Friedrun Reinhold ist erschienen in der Reihe „Die EDITION PROFIFoto“ im mitp-Verlag, ISBN 978-3-8266-5938-6, Euro 39,95, Leseproben sind hier abrufbar.

Okay, okay …

2010-09-26T08:32:00.002+01:00

dann jetzt auch bei der dunkelkammerartistik endlich Photokina-Content:

Anton Corbijn

2010-09-15T08:38:00.006+01:00

dieser Tage hat der zweite Spielfilm von Fotograf, Designer und Regisseur Anton Corbijn Premiere. Die Hauptrolle in „The American“ spielt George Clooney. Ich selbst war Anfang September auf der Pemiere in Berlin. Der Film ist gelungen, Clooney spielt den zerissenen Berufskiller Jack mit jeder Faser, die Bildästhetik ist dem speziellen visuellen Anspruch des Anton Corbijn geschuldet anspruchsvoll und Herbert Grönemeyer darf sich ruhig öfter als Komponist für Filmmusik bewerben.

Beim Schweizer Radio DRS kann man online ein längeres Interview mit dem Regisseur zu seiner Arbeit hören.

Stephan Erfurt, C/O Berlin

2010-08-17T15:16:00.002+01:00

Die Diskussion, die gerade um die Kündigung des Mietvertrags der im Postfuhramt ansässigen Galerie C/O Berlin stattfindet, ist zwiespältig. Selbstverständlich macht sie einmal mehr den Ausverkauf der Oranienburgerstraße deutlich – letztendlich aber kommt die Diskussion für diese Straße längst zu spät.

Für C/O Berlin wird es nicht von Schaden sein, letztendlich hat die Galerie schon vorher ihren Namen gehabt und war längst angenommen, als sie noch in der Linienstraße residierte. Bitter ist sicherlich, dass sich im Umfeld der Galerie C/O Berlin in Berlin-Mitte in den letzten Jahren ein Foto-Mekka im Osten Berlins entwickelt hat. Ob durch neue Galerien, die sich ausschließlich auf Fotografenkunst spezialisierten oder durch das kaufmännische Gewerbe rund um Fotografie, wie monochrom, Polaroid oder der Lomography Store. Auch die Dichte der Passepartout-Künstler ist nirgendwo größer in der Stadt. Oder Schulen: der Fotobereich der VHS-Mitte in der Linienstraße hat mindestens einen so guten Ruf wie Imago.

The European hat ein ausführliches Interview mit Stephan Erfurt, dem Besitzer von C/O Berlin geführt. Es geht um Immobilientheater in der Spandauer Vorstadt, Fotografie und Kunst in Berlin.

Geänderte Vorzeichen

2010-08-14T10:23:00.004+01:00

Neulich habe ich einen Workshoptag bei der neu gegründeten AKG Scholarship of Sound fotografiert. Der Workshop wurde die ganze Woche über von einem Filmteam begleitet. Die Workshops wurden im gesamten Verlauf von einer festinstallierten Videokamera aufgezeichnet aber es fiel natürlich auf, dass ein Mitarbeiter des Teams die gesamte Zeit seine Filmaufnahmen mit einer Canon 500D machte – mit höchst professionellen Stativequipment.

Ich habe mich im späteren Verlauf mit dem Fotografen unterhalten und er war schlicht begeistert von den Möglichkeiten, die eine DSLR in der Abbildungsqualität leistet.

Er sagt, die Emotions zeichnen sie nur noch mit der DSLR auf, die Bildqualität sei hervorragend und trotz der Nachteile (Filmstopp nach 15 Minuten, Rauschen wenn Prozessor zu warm) schien für das Team die DSLR als professionelles Filmequipment voll akzeptiert. Die Lichtsituation war aufgrund der anderen Kamera natürlich mit Dauerlicht geregelt. Filmen mit DSLR wird also zunehmend sehr ernst genommen. Das Ergebnis wird sicherlich in Kürze hier zu bestaunen sein.

Paul Fusco

2010-08-08T11:53:00.006+01:00

ist Reportagefotograf und seit 1974 Mitglied bei Magnum. Seine Ausbildung zum Fotografen hat er in der US-Armee absolviert und als Corps-Fotograf im Koreakrieg US-Soldaten in ihrem Job fotografiert. Paul Fusco ist einer der Fotografen, der die Auswirkungen der Katastrophe von Tschernobyl bei den Menschen vor Ort dokumentiert hat. In seinem Bildband Chernobyl Legacy zeigt er die Auswirkungen der Nuklearkatastrophe von 1986, er hatte die Behindertenstätte Novinki in Minsk besucht und die Opfer fotografiert. Dort hatte man nach der Katastrophe an eine Klinik für geistig Behinderte weiter ausgebaut und eine Kinderkrebsklinik eingerichtet, um den Massen der nach der Nuklearkatastrophe den schwer geistig und körperlich behindert geborenen Kinder und später an Krebs erkrankten Kindern irgendwie Herr zu werden.

Das Portfolio zum längst vergriffenem Bildband Chernobyl Legacy auf Fuscos Homepage. Ein ausführliches Interview (16 Minuten) mit Paus Fusco hat fototv.de anlässlich des Relaunch der Homepage in die Reihe der 20 Videos aufgenommen, die dort kostenlos angesehen werden können, Registration vorausgesetzt. Sie ist für dieses Interview allemal zu empfehlen.

Jim Rakete spricht …

2010-07-13T13:04:00.002+01:00

Anlässlich seiner Ausstellungseröffnung „A Star is born“ im Museum Folkwang spricht Jim Rakete im Deutschland Radio Kultur über seine Art und Weise von Fotografie und wie weit weg er von konzeptioneller Fotografie arbeitet: „Das ist so eine «Komm wie Du bist!»-Party“

Auf der oben verlinkten Seite steht der Text des Interviews, rechts der Podcast.

Der Tod steht ihnen gut

2010-07-07T09:27:00.009+01:00

Hierzulande und heutzutage – in einer Kultur, die das Angesicht des Todes so gut wie vernichtet hat – wird schon pikiert diskutiert, wenn Totenmasken von ehemaligen RAF-Mitgliedern ausgestellt werden. Die Präsentation der Sterblichkeit, sei es in der urreinsten Form einer öffentlichen Aufbahrung, gilt als verpönt und sogar verboten ab einem bestimmten Zeitpunkt des Exitus. In anderen europäischen Ländern wird mit dem Tod noch anders, selbstverständlicher umgegangen. In Südfrankreich nimmt das gesamte Dorf am offenen Sarg Abschied und trägt sich in das Kondolenzbuch ein. Der Anblick eines Toten gehört zum Leben dazu. Kein Horror, natürliche Ängste – aber wenigstens offener Umgang mit der endgültigen Tatsache. Und das so wichtige „Auf Wiedersehen und Danke!“ mitgeben dürfen, ist erlaubt.

Die Erfindung der Urform der Fotografie, der Daguerreotype im Jahr 1839, ermöglichte es den Menschen, die sich keine teuren Malersessions leisten konnten, dennoch visuelle Erinnerungen an die jüngst verstorbenen Lieben zu erhalten. Daraus entwickelte sich eine eigene Form der Fotografie, die Post-Mortem-Fotografie. Denn seinerzeit wurde im Vorfeld das Leben kaum fotografiert, ganz im Gegensatz zu heute, da man üblicherweise von einem Verstorbenen Bildzeugnis des ganzen Lebens vom ersten Tag an besitzt und möglicherweise auch den Verfall innerhalb eines Krankenprozesses dokumentiert. Und so bildeten die Post-Mortem-Fotorafien weniger eine Erinnerung an den Tod des Verstorbenen ab, sondern wurden als oft einzige Erinnerung an den Lebenden geschaffen, beziehungsweise an das Leben mit ihm. Das hatte die, für unsere Kultur wohl merkwürdig anmutende, stilistische Folge, dass die Verstorbenen im Bildnis nochmals als Lebende gekleidet und positioniert abgelichtet wurden.

© unbekannt, Source Wikipedia

Ein interessanter Artikel mit einer Sammlung dieser Fotografien ist bei Cogitz.com zu finden. Als Textquelle ist der Wikipedia-Eintrag „Post Mortem Photography“ benannt.

via silenttiffy/twitter

Wie Kunst verdächtig werden kann …

2010-06-13T08:57:00.003+01:00

„Die Fotografie – und insbesondere die Straßenfotografie – ist heute eine umstrittene Angelegenheit, die all unsere kollektiven Ängste tangiert: Terrorismus, Pädophilie, Eingriffe in die Privatsphäre, Überwachung. Wir bestehen auf den Schutz unserer Privatsphäre, gleichzeitig knipsen wir alles und jeden mit unseren Handys und Digitalkameras.”

Sean O'Hagan beschreibt bei der Freitag das Phänomen Straßenfotografie in ihrer Entwicklung seit Eugène Atget bis heute.

Liebe Konzertfotografen,

2010-06-03T22:02:00.002+01:00

so ein unverschämtes Ansinnen kann man am allerbesten unterbinden in den man zu den Künstlern sagt: „Nein, danke. Ich fotografiere Euch nicht.“ Letztendlich kann man mit den Konzertgrabenfotos eh kaum seine Miete bezahlen.

Äpfel mit Birnen vergleichen …

2010-06-02T07:00:00.002+01:00

Ein direkter Foto-Kameravergleich mit den ausgesuchten Modellen zweier Hersteller kann für die finale Kaufentscheidung praktisch sein, wenn nicht sogar den letzten Ausschlag zum Kauf geben. So ein „Product Face-Off“ bietet das Portal „Digital Versus“ – übrigens auch für Cellphone- (Handy-)Kameras und Drucker, Monitore, Camcorder etc.

Zu viele Fotos – zu wenig Qualität?

2010-06-01T10:24:00.006+01:00

Vergangenen Samstag war Fotografie das Thema beim ZEIT Online Talk. Peter Bitzer (Geschäftsführer Bildagentur Laif), Tibor Bogun (Ressortleiter Grafi bei ZEIT ONLINE) und Maurice Weiss, der als Fotograf u. a. für die Agentur Ostkreuz arbeitet, haben sich mit dem Moderator Ralf-Müller Schmid üben den Wandel der digitalen Zeit im Segment Fotografie unterhalten. Wie kann man in den Massen der Bilderflut von Laienfotografen noch Qualität ausmachen? Wie überhaupt noch mit Fotografie Geld verdienen? Welche Vorteile hat die digitale Fotografie ins Geschäft gebracht, wenn?

Eine interessante Gesprächsrunde, die letztendlich die Diskussion fortführt, die im Journalismus längst geführt wird. Die Antwort auf die Frage, wie Medien Einnahmen mit ihrem Online-Angebot generieren können, um einen halbwegs hohen Standard in Bild und Wort zu sichern, wurde natürlich auch hier nicht abschließend beantwortet. Dauer der Diskussionsrunde: ca. 60 Minuten. Weiterhin (weil bei ZEIT ONLINE grandioserweise nicht einzeln verlinkbar) abrufbar bei DRadio Wissen.

Pentax 645D-Vorführung

2010-05-29T11:05:00.004+01:00

Bis jetzt waren die meisten Vorstellungen der neuen Pentax 645D aus dem japanischen Umfeld. Auf einer kanadischen Messe entstand dieser Film einer ausführlicheren Präsentation.

The American

2010-05-13T14:36:00.006+01:00

Der Fotograf Anton Corbijn (mit einer für einen Künstler seit vier Jahren konsequent nicht gepflegten Homepage) hat nach seinem preisgekrönten Filmerstlingswerk Control seinen zweiten Film fertig. Dieses Mal in Farbe gedreht. Kein Geringerer als George Clooney spielt in der Hauptrolle einen Auftragskiller, der in Italien zurück gezogen als Maler lebt und auf den nächsten, wen es nach ihm ginge, letzten Auftrag wartet. Alsbald findet er sich ausgerechnet in einer fröhlichen Männerfreundschaft mit dem lokalen Priester wieder, verliebt sich in eine Italienerin und wird schlussendlich selbst zur Zielscheibe anderer Killer. Der Film ist eine Adaption des Romans „A very private Gentleman“. Startschuss in Deutschland soll „The American“ am 09. September 2010 haben. Der Film wurde wie auch „Control“ vom wundervollen Kameramann Martin Ruhe in Szene gesetzt, erste Beispiele im Trailer sprechen für sich.

Trailer am Besten direkt bei YouTube gucken, die haben blogfremd neulich auf Breitwand gestellt.

Liebe Fotoapparate und liebe Fotoapparatinnen,

2010-05-12T13:18:00.017+01:00

neulich bat eine Bloggerin um Linksammlung auf ihrem Blog von Bloggerinnen, die fotografieren. Aus welchen Gründen auch immer stürzt sich vornehmlich ein Teil der weiblichen bloggenden Fotowelt auf dieses Thema wie verrückt und freut sich, als wäre damit der große Befreiungsurschrei getan worden. Aus dem Kuddelmuddel der kurzfristigen-Begeisterung hat sich eine tiefgründige Diskussion hinsichtlich fotografischer Inhalte von Mainstream-Fotobloggerinnen bei Tilla Pe aufgetan, die wirklich viel Freude zu lesen macht. Es wird kritisch mit der Entwicklung des eigenen Talents und des eigenen Geschlechts umgegangen. So ich das sehe, beteiligt sich die Iniatiorin ausser einer Verlinkung nicht an dieser Diskussion, was ich sehr schade finde, vor allem mich aber wundert. So bleibt bei mir dank der inhaltlich blass gefärbten Kommentare zu Verlinkungen dieser Sammelaktion in anderen Blogs seitens der Initiatorin irgendwie der schnöde Eindruck einer reinen Traffic-Sammelaktion.

Was generell auch okay ist. Blog-Marketing, wem Blog-Marketing seines ist. Mich ärgert aber massiv, dass so die eigentliche Chance zur Diskussion „warum landen denn nun Frauen im Allgemeinen und Foto-Bloggerinnen im Besonderen auf irgendwelchen Ranking-Listen nicht so weit vorne?“ von der Initiatiorin an dem Ort, wo sie in aller Tiefe stattfinden sollte, vertan wurde. Und dann wiederum finde ich die Idee, das Ganze passierte vielleicht nur um Traffic zu generieren, nicht mehr ganz so okay. Dafür ist nämlich der Hintergrund zu relevant.

Tilla Pe hat in der Diskussion bei sich im Blog die „Blümchenfotografie” zum Pseudonym gemacht als Abbild der eigentlichen Fantsielosigkeit bei vielen Bloggerinnen, die dann doch nach den Themen Blume, eigenes Kind und Hochzeiten aufhören zu fotografieren. Nun gucken alle erschrocken in ihr Portfolio und erkennen die Masse der Blümchenfotos, die sie im Laufe der Ausübung ihres Hobbys angefertigt und veröffentlicht haben und bekennen sich reihenweise schuldig. Was ein erster Schritt ist …

Mädels, im Garten zu fotografieren, ist völlig okay! Sich an anderen Blumenfotos zu orientieren in der jeweiligen fotografischen Entwicklungsphase, ist auch völlig okay! Das eigentliche Problem liegt darin, dass Ihr fotografierenden Frauen nun glaubt, die Welt mit 08/15- –bereits millionenfach da gewesenem – Fotomaterial belästigen zu müssen (das Männer unbenommen mit 08/15-Tittenfotos und langweiligen Industriefotografien übrigens genauso produzieren und zur Schau stellen), sich dann aber darüber beschweren, warum sie in der großen weiten Welt des fotografisch online publizierten Mülls nicht zum Dank in irgendwelchen Blog-Rankings überhaupt und dann bitte noch ganz weit vorne genannt werden. Und genau das geht eben nicht zusammen!

Das sollte man Bloggern und Blogerinnnen überlassen, die es wirklich können. Aber etwas wirklich können, das hat so gar nichts mit der Chromosomenvergabe beim verursachenden Künstler zu tun. Ich bitte Euch Mädels! Für solche Gedankengänge 2010 hat sich meine Mutter garantiert nicht in den 70igern in den Kampf der Emanzipation begeben. Emanzipation fängt im Kopf an. Ein Teil von Euch denkt offensichtlich noch mit den Maßstäben der unbehelligten Frau von 1950. Das macht mich traurig. Erstaunlich ist für mich zu lesen, wie viele von Euch Frauen in den Kommentaren sich selber klein machen und glauben, in einer 100-Foto-Bloggerinnen-Liste nichts verloren zu haben. Hallo? Ihr fotografiert? Ihr bloggt? So what?

Gleichfalls erschreckend in den Kommentaren – wenn's um zartbesaitete Geschlecht in Auseinandersetzung mit Kritik – zu lesen „Ich kenne eine, der ist der Spaß an Fotografie vergangen, weil irgendein Kerl sie zu oft zu hart angepackt hat mit seiner Kritik.“

Frage: Gibt es wirklich da draußen noch Frauen, die ihr liebgewonnenes Hobby deswegen aufgeben, weil ein „Er“ ihnen erzählt, sie würden es noch nicht gut/nicht gut genug machen?

Antwort: Ich will es nicht glauben müssen, aber vermutlich ja, die wird's auch geben. Und dann ist ausgerechnet dieser Mann daran schuld? Echt? Das glaube ich ja so gar nicht!

Fazit: Es gibt keinen einzigen Mann, der als perfekter hochkompetenter Fotograf vom Himmel gefallen ist. Auch Männer werden in der Ausübung ihrer Kunst, ihres Hobbys kritisiert. Zeigt mir einen, der deshalb mit seinem Hobby aufhört, weil er mit Kritik vom anderen Geschlecht nicht klar kommt. Also bitte Mädels, reißt Euch am Riemen!

Und richtig Hitzewallungen bekomme ich, wenn ich Aussagen lese wie hier in, einem an sich lesenswerten, Blogpost getätigt: „Irgendwie, muss ich aber sagen, haben Männer gerne und oft das bessere Auge.“ Da rappelt's bei mir so dermaßen hysterisch in der o.B.-Tasche.

Ich will dieser Bloggerin ihre persönliche Meinung nicht absprechen. Wenn sie sich denn wirklich geschlechtsübergreifend so klein machen möchte, bitte. Ich befinde für mich aber, diese Aussage stimmt keinesfalls und nicht mal im Ansatz! Männer fotografieren überhaupt nicht besser oder haben das bessere Auge. Mitnichten. Ich lege euch zehn großartige Fotografien (großartig im Sinne des Betrachters) vor und niemand wird angesichts der Fotos alleine bestimmen können, ob dieses Foto von einem Fotografen oder einer Fotografin stammt. Soviel erst mal zur Zuweisung von etwaigen Talent hinsichtlich der geschlechtlichen Vorgabe. So etwas möchte ich nicht noch mal lesen müssen! Solange Ihr ernsthaft so denkt, habt Ihr es nicht verdient in irgendwelchen Rankings vorne zu stehen.

Männer haben allenfalls ein deutlich größeres technisches Interesse und hinterfragen schneller, wie man eine fotorgrafische (die große „wie erschaffe ich das Bild in meinem Kopf im Foto?“-Frage) Herausforderung technisch lösen kann. Bei vielen Frauen hört es allzu oft bei „ich fotografiere ab, was ich sehe“ auf, weil sie leider viel zu wenig Lust haben auf das technische Fachwissen, das die Fotografie einfordert und welches hinter jeder hervorragenden Fotografie steht.

Das fängt übrigens schon damit an, dass so manche Frau gar keine Lust hat, sich überhaupt unterwegs mit dem für die digitale Spiegelreflexfotografie notwendigen Equipment zu belasten. Nein, ehrlich gesagt, es fängt noch früher an: ich erlebe gerade bei Frauen eine große Unlust überhaupt nur einmal ins Manual ihrer Kamera zu gucken. Geschweige denn nach einer Eingewöhnungszeit mit der Kamera immer mal wieder ins Manual zu gucken, um sich immer weiter mit ihrem enormen Können auseinander zu setzen, um so gemeinsam großartige Fotografie zu schaffen.

Um gute Fotografien zu erschaffen, müssen Fotografen sich selbst ständig hinterfragen: ihr Talent, ihre Entwicklung, ihre Ideen, ihr Können. Sie müssen zu sich selbst unbequem sein! Nur so kommen sie weiter. Man muss irgendwann auch Dinge fotografieren lernen, die nicht interessieren oder nur schön anzusehen sind. Hässlichkeit ins Bild zu rücken, das ist die eine Herausforderung, die fotografisch weiter bringt. Das 5000ste Gänseblümchen macht das nicht (und ehrlich, ich fotografiere Gänseblümchen auch für mein Leben gerne.)

Und: man muss die Technik beherrschen! Es ist ja schön, dass Kameraersteller meinen, Euch müsste man Spiegelreflexkameras auf's Auge zu drücken mit Motivprogrammen, weil Ihr sonst Technik nicht anders für Eure Fotos verwenden könnt und Ihr die darin auch noch bestätigt. Die Nutzung dieser Motivprogramme macht Euch aber nicht zu sehr guten Fotografinnen. Hinter einem guten Foto steckt einfach mehr als der Workflow „Blume sehen, auf Makro stellen, auslösen.“ Man kann das machen, unbenommen. Sicher ergibt das auch das eine oder andere schöne Foto – aber es wird keinen Eurer Kollegen oder Kolleginnen, der, die fotografisches Fachwisssen besitzt, dazu bringen zu Euren Fotos „Wow!“ zu sagen; noch Euch in irgendwelchen Blog-Foto-Rankings als besonderes Talent zu erwähnen. Das dürft Ihr nicht verlangen, wenn Ihr keinen Bock auf Auseinandersetzung mit der Technik habt.

Jana hat anlässlich (edit: das Interview fand schon vorher statt, wurde aber kurz nach ihrem gezogenen Fazit nun veröffentlicht) ihres Frauen-Blog-Ranking-Posts ein Interview in einem Blog gegeben, in dem sie sagt, sie fotografiert mit einer Nikon und einer Festbrennweite – also mit digitaler Spiegelreflextechnik – und zu gibt, die Gestaltung ihrer Fotos sehr gerne den Profilen Landscape und Portrait der Kamera zu überlassen. Auch das ist okay aber so wird eben auch klar, warum eine bestimmte Klasse von bloggenden Fotografen/Fotografinnen im Ranking unter sich bleiben. Erst das Begreifen des Zusammenspiels von Licht, Blende, Zeit und Motiv, lässt es zu, eine eigene Handschrift als Fotograf bzw. Fotografin zu entwickeln!

Und zwar völlig ohne jede Eigendynamik der dort bereits vertretenden Blogger: wir müssen diese Diskussion nämlich nicht steinzeitlich auf das ewig widergekaute Männlein versus Weiblein-Thema reduzieren, wir können es ruhig und sehr gelassen auf den Status Profifotograf vs. Amateurfotograf erheben. Die allermeisten in den vorderen Blog-Fotografen-Rankings vertretenden Fotografen und Fotografinnen sind zufällig Profis. Also Schusterinnen, bleibt bei Euren Leisten. Oder treibt Euch selber etwas mehr voran.

Kunst gucken und Gutes tun

2010-05-12T09:48:00.006+01:00

Dieser Tage ist die 3. Ausgabe vom Kunstmagazin erschienen und steht zum kostenlosen Download bereit. Großartig die Serie vanitas_bazar von Rafael Perez Cortés. Das Projekt von Manuel Linnenschmidt kann man nur mögen!

Der Titel des Blogposts ist aber Froh! gewidmet. Froh! ist ein Gesellschaftsmagazin, ein Non-Profit-Projekt. Die Künstler arbeiten ehrenamtlich, finanziert wird der Druck des Magazins den Verkauf und Spenden. Anzeigen findet man in Froh! nicht. Mehr zum Hintergrund erzählt die Homepage. Thema der aktuellen Sommerausgabe natürlich Finale, der Hintergrund sind aber Gedanken zum Anfang und Neu-Beginn. Froh! kann gekauft werden zum regulären Preis von € 10,– oder in der jeweiligen Ausgabe als Plus-Variante für € 15,–. Die 5,– Euro fließen dem Magazin als Spende zu. Sieht einfach gut aus und geht inhaltlich in die Tiefe.

Auf Colina-Fotoblog werden bis 15. Mai 2010 drei aktuelle Ausgaben von Froh! zum Kennenlernen verlost.

Für Tilla …

2010-05-10T12:46:00.003+01:00

Falls jemand Lust hat mitzudenken und mitzusprechen: spannende Diskussion zum Thema Separation von fotografischem Talent innerhalb der Geschlechterwelten.

Sofortbild

2010-05-03T11:47:00.018+01:00

Wie oft ist Polaroid in den letzten Jahren schon gestorben? Oft. Den häufig beschworenen „Analog ist tot“-Tod, den „Chapter 11 des Unternehmens Polaroid“-Tod sowieso, alle Polaroid-Filme sind natürlich auch mausetot, weil nicht mehr zu bekommen, zu teuer, die Technologie ist altbacken. Und dann ist da noch der „Polaroid selbst macht ja auch nur noch in digital“-Tod.

Von wegen! Polaroid lebt, mehr denn je. Und die Anhänger scheren sich einen entwicklungsfeuchten Dreck um die digitalen Ambitionen des Polaroid-Konzerns. Auf flickr startet heute die ‘Roid Week 2010. Bis Freitag können von jedem Teilnehmer maximal zwei Fotos täglich in die 'Roid Week 2010-Group gepostet werden. Die Spielregeln findet Ihr hier. Und nein, Polardroids sind nicht gefragt!

Eine Aufnahme schöner …

pix © ludwig west

… als die andere!

pix © maplesyruponly

Falls Ihr nun Lust bekommen habt auf die gute alte Kultur der Sofortbildfotografie: im Shop von Spürsinn gibt es die finanzierbaren Filme, wie den neuen Impossible PX100 von impossible project. Die Kameras gebraucht auf ebay.

Das große Fressen

2010-05-02T12:33:00.009+01:00

Food-Fotoographie ist seit jeher ein nicht unwichtiger Teilbereich in der Fotografie. Mit Einzug der Blogs und somit den vielen talentierten Food-BloggerInnen ist auch in der Food-Fotografie eine Trendwende vollzogen worden. Von der Zutat HighKey abgesehen (an der ich mich mittlerweile mehr als satt gesehen habe), die mittlerweile leider auch in der professionellen Food-Fotographie derartig überzogen Fuß gefasst hat, dass man nicht selten vor allzu offensichtlich falsch belichteten Fotos sitzt, die an den überbelichteten Stellen so gar keine Bildinformationen mehr enthalten (und das tut im Druck dem Magazin doch weh!), wurde vor allem in der Folge auch bei den Profis dazu übergegangen, wieder mehr die reale Speise zu fotografieren und der Einsatz der kleinen chemischen Helfer etwas zurück genommen. Auch die Anmutung der Available Light-Fotografie kommt wieder mehr zum Tragen im Food-Segment.

2006 war ich in Chicago und habe dort an der BlogHer, der größten Bloggerinnen(!)-Konferenz weltweit teilnehmen dürfen. Schon 2006 war ein umfangreicher Bereich der Konferenz das Thema Food, einschließlich der Food-Fotografie – sie ist Hauptbestandteil im Foodblogging, denn ohne Foto kein Proof of Küchenerfolg. Im Jahr darauf wurden bereits die Food-Maniacs ausgelagert und bekamen ihre eigene BlogHer Food! Die findet dieses Jahr übrigens am 8. und 9. Oktober 2010 in San Fransisco statt.

Da mutet es höchst merkwürdig an, dass sich die Profis der Food-Fotografie international bis heute nicht im größeren Stil organisiert haben. Damit ist nun Schluss, sie bekommen ihr erstes eigenes Food-Photographie-Festival! Die Foodphoto 2010 öffnet Ende September diesen Jahres ihre Pforten in Tarragona, Spanien. Vom 30. September bis 17. Oktober 2010 gibt es Werkausstellungen, Workshops, Seminare, Portfolioschauen, einschließlich einem Food Photo Contest – eingeladen sind Profis und Laien. Die Eintrittspreise kann man als wirklich human bezeichnen.

Stevan Paul hat mit dem Organisator Günter Beer ein ausführliches Interview geführt. Und hier entlang geht es zum Portal des 1. internationalen Foodphoto Festival.

Und noch ein kleines Goodie für Food-Foto-Interessierte habe ich für Euch: Stephen Hamilton dürfte bekannt sein, nicht nur in den professionellen Food-Photographer-Kreisen. Stephen hat einem zweiten Blog „Who is hungry?“ Leben eingehaucht und zeigt dort in Video-Tutorials Einblicke in seine Arbeit und vermittelt Tipps zum „how to …“

Bilora AM 324 Einbeinstativ

2010-04-28T17:56:00.009+01:00

Wann genau eigentlich sind Bilora-Stative aus dem deutschen (Offline-)Handel verschwunden? Und warum? Für mich sind Bilora die erste Erinnerung, die ich überhaupt je an Stative in der Fotowelt hatte, Opas Fernglas kam von Bilora. Mein erstes Mikroskop übrigens auch. Aber auf dem Stativ-Markt erschienen irgendwann Manfrotto und Schluss war es wohl mit den heimischen Produkten untadliger Qualität.

Ich war schon seit längerer Zeit auf der Suche nach einem Einbeinstativ und neulich pressierte der Kauf. Da ich es jedoch nicht jeden Tag benötige, war ich nicht Willens einen Preis auszugeben, der möglicherweise zwar gerechtfertigt für das Produkt, nur nicht für meinen Bedarf war. Mehr als 100,– Euro für ein Einbeinstativ auszugeben, hatte ich wenig Bedürfnis.

Wie gesagt, gesucht hatte ich lange, sowohl on- vor allem offline – und so kamen mir zwischenzeitlich alle Stativ aller namhaften Hersteller in die Hände. In Berlin habe ich dank ausgesuchter Händlerschaft ausreichend Angebot. Sei es die guten leichten von Gitzo bei monochrom, Benro, Manfrotto, Cullmann bis zu den NoName-Billigexemplaren der Discounter, einschließlich diverser Exoten der Fachhändler an deren Namen ich mich mittlerweile nicht mehr erinnere. Ich bin gut rumgekommen. Und keines der Stative hat mich von der Handbarkeit oder von der Haptik so angesprochen, dass ich gesagt hätte „Du kommst mit.“ Einmal war ich nahe dran bei einem Cullmann-Carbon-Stativ, das preislich im Rahmen war, dessen Mittelteil jedoch frei in der Gegend rumrutschte, weil die Feder des Klappmechanismus vom Vorführmodell bereits defekt war. Da war die erste Begeisterung dahin.

Am Ende meiner Suche bin ich bei Amazon irgendwie und irgendwann auf die Bilora-Modelle gestoßen – die sind im Handel offensichtlich überhaupt nicht mehr existent. Dem mangelnden Angebot im Handel nach, hätte ich längst auf Konkurs der Firma getippt. Tatsächlich bin ich auf Bilora gestoßen, weil mir in der gleichzeitigen Recherche nach dem Stativaufsatz der Pistolengriff von Bilora aufgefallen war. Und hierzu als Nächstes die außerordentlich wohlwollenden Rezensionen. Da man bei Amazon immer noch die restliche Produktpalette empfohlen bekommt, blieb ich beim Bilora AM 324 Perfect Pro-Einbein hängen – auch hier gut gemeinte Stimmen aus dem fotografierenden Volk. Und alles in allem in einem interessanten Preisgefüge. Stativ zusammen mit Pistolengriff für knappe 70,– Euro. Man glaubt kaum etwas Ordentliches in die Hand zu bekommen – in diesem Punkt habe ich mich gründlich getäuscht.

Bilora bietet ebenfalls ein verhältnismäßig günstiges Carbon-Stativ an. Mit sechs Kilo Tragkraft und auf eine maximale Länge von 153 cm ausziehbar. Demgegenüber bietet der Lastesel aus Aluminium 8 Kilo Tragkraft und eine maximale Höhe von 170 cm – ich bin 180 cm groß, fühle mich mit dem längeren Modell wohler. Die Differenz im Eigengewicht von ca. 270 Gramm machen da den Kohl nicht mehr fett. Charmant fand ich in den Rezensionen die einhellige Meinung, das Einbein könnte man auch als Wanderstock nutzen …

Ich habe Stativ und Pistolengriff bestellt. Das Stativ ist in dem Preisgefüge das Beste, was ich während meiner Suche in die Hand bekommen habe, alleine aufgrund seiner Stabilität. Der Gummigriff wird auch bei kalten Temperaturen seinen Charme haben. Das Gewinde der Wechselplatte kann jeweils für 1/4 und 3/8-Gewinde verwendet werden (Werkzeug zum einfachen Wechsel liegt anbei). Der Teller für den Stativkopf ist verhältnismäßig groß – das passt für die Traglast von 8 kg. Darauf kann übrigens die Kamera auch direkt verschraubt werden – falls der Neiger nicht zur Hand ist.

Die Säulenlänge wird durch Drehverschlüsse variiert. Ob nun lieber Drehverschluss oder Klappmechanismus, muss jeder für sich entscheiden. Ich benötige das Stativ in Situationen wie Konferenzen oder Konzert, da ist schon das Klicken der Kamera oft zu laut, auf weitere Geräuschkulisse, dem „KlickKlack“ der Schnallen, kann ich daher gut verzichten und somit sind für mich die leiseren Drehverschlüsse erste Wahl. Auch scheinen sie nach meiner Erfahrung mit dem Cullmann-Klappmechanismus weniger anfällig zu sein.

Der Standfuß ist wie üblich gummiert, der auf dem Gewinde zurückgeschraubt sofort den Spike-Aufsatz freigibt. Praktisch. Manche Stative anderer Hersteller verlangen dazu erst Umbaumaßnahmen, sofern sie einen Spike überhaupt mitbringen. Den darf man dort gerne extra einkaufen. Das Stativ steht trotz der kleinen Auflage stabil. Die endgültige Stabilität wird letztendlich auch durch die Kamera und ihrem Gewicht geregelt. Ein einziger Einbeinstativanbieter, dessen Name mir leider entfallen ist weil für meinen Bedarf eh zu teuer, hatte hier einen großen Saugfuß, den ich schon sehr überzeugend fand. Für meine Einsatzzwecke wäre das „Plopp“ des Ablösen des Saugfußes defintiv zu laut gewesen.

Wirklich charmant der als Pistolengriff getarnte Kugelneiger. Der macht das Stativ auch außerhalb seinen Einsatzes wenn mal ohne Tasche getragen zu einer ergonomischen, wenn auch nicht mehr leichten Sache. Die Bedienung ist simpel und präzise und jedem Fotografen zu empfehlen, der eine etwaige Armbehinderung hat.

Der Griff ist in alle Richtungen schwenkbar, wenn auch ins Hochformat nur nach einer Seite.

In dem Fall löst man den seitlichen Hebel mit einem kleinen Griff und schon lässt sich der Neiger vertikal in die andere Richtung drehen, um das einseitige Manko zu keinem wirklich echten zu machen.

Alleine die im Griff integrierte Wasserwage ist ein Witz, da schlicht zugebaut. Für mich eh verzichtbar, ich kann mich auf meinen Blick durch den Sucher noch auf mich selbst verlassen. Ansonsten hat meine Kamera hat eine integrierte Wasserwaage und Horizontkorrektur.

Fazit: Wer ein solides robustes Einbeinstativ und den Wanderstock in einem sucht, lang genug ausziehbar, im Verhältnis leicht und dennoch stabil genug, um im Notfall als Schlagstock zu dienen – dem seien die Bilora-Stative von meiner Seite dringend an Euer Fotografenherz gelegt. Es lässt sich zu Reinigungszwecken etc. leicht auseinander bauen.

Und es ist finanziell aus meiner Sicht das attraktivste Angebot zur Zeit auf dem Markt. Übrigens hatte man mir im Fachhandel, wo ich das Stativ ordern wollte (ich kauf ja gerne mal nicht bei Amazon sondern bei denen, die mich zur Not auch beraten) für 129,– Euro angeboten und blieb auch auf Nachfrage dabei. Dann war es eben doch der Einkauf bei Amazon für ca. 40,– Euro.

Farbräume

2010-04-22T10:14:00.006+01:00

Wer als Einsteiger in die Digitalfotografie schon einmal rätselnd vor den möglichen Einstellungen im Menü bei den Farbräumen stand und nicht wusste, ob er nun Adobe RGB oder sRGB auswählen soll oder wer sich schon einmal gewundert hat, warum am Monitor des eigenen Rechners die Farben der Fotos ganz anders wirken als am Monitor des Freundes, dem sei dieser ausgezeichnete Video-Workshop von Boris Nienke aka nSonic empfohlen. Der Workshop ist sehr einfach gehalten und beantwortet alle Fragen bzw. bespricht die auftretenden Probleme bei falscher Farbraumwahl in umfassender Ausführlichkeit.

Mit den vielen anderen Podcasts von nSonic zum Thema Fotografie, kann man sehr locker mehrere verregnete Wochenenden um die Ecke bringen.

Er gehört dazu.

2010-04-21T09:36:00.009+01:00

Der Tod. Patrik Budenz lebt in Berlin und hat an der „Neue Schule für Fotografie“ in Berlin studiert. Mit seiner Abschlussarbeit „Post Mortem“ hat er 2009 beim New York Photo Award den Nachwuchspreis gewinnen können. Verstorbene sind in seinem Projekt die Sujets, die er realistisch aber immer mit Respekt zeigt. Mit seiner Arbeit überführt er das Thema Tod zurück in eine alte Kunstform, die unser heutiger ignoranter ängstlicher Umgang mit dem Tod und der ihm früher anhaftenden Kultur mittlerweile tabuisiert.

© Patrick Budenz, Post Mortem

„Trotzdem wird das Thema Tod in unserer gegenwärtigen Gesellschaft weitgehend verdrängt. Das war aber nicht immer so: Historisch betrachtet hat diese Tabuisierung des Todes erst im 20. Jahrhundert stattgefunden hat. Noch im 19. Jahrhundert war der Umgang mit dem Tod deutlich unbefangener. Hier hat also unsere vermeintlich aufgeklärte Gesellschaft einen Rückschritt gemacht.“

Budenz erklärt in einem vergangenen Herbst mit Marko Radloff geführten und auf bildwerk3 publizierten Interview die Gründe für seine bildnerische Auseinandersetzung mit dem Tod. Denn „Post Mortem“ ist bereits seine zweite Projektarbeit die sich mit dem Dahinscheiden auseinandersetzt. In der Serie „Search for Evidence“ hat er sich mit der Kamera der Arbeit von Rechtsmedizinern am Leichenfundort als auch in der Pathologie auseinander gesetzt.

Dirty Talk

2010-04-08T10:16:00.006+01:00

Wer nicht nur gerne Fotos ansieht, selbst fotografiert sondern immer auch dazu lernen möchte, dem sei das Blog von Tilla Pe ans Herz gelegt. Im Besonderen die charmante Kategorie „Sie und Er und die Fotografie“ – Dialoge rund um die Fotografie mit Lerneffekt. Vorher aber noch meine Warnung: dieses Blog macht Lust auf analoge Fototechnik!

„Na, stell Dir mal vor, ich wollte Dich jetzt portraitieren. Wir haben eine wunderbare Lichtstimmung, die Sonne geht gleich unter und die Luft ist voll von weichem, langwelligem, rotem Licht. Das würde ein ganz weiches Bild geben, der Stimmung entsprechend, in der Du Dich jetzt, nach einem guten Essen und mit einem guten Glas Wein in der Hand befindest.“

„Wieso rotes Licht? Noch ist doch kein Sonnenuntergang?“ fragte er irritiert.

Sie musste grinsen. „In Physik nicht aufgepasst, hm?“

Fotorecht für Fotografen

2010-04-06T07:38:00.005+01:00

Die Berliner Rechtsanwaltskanzlei Karsten + Schubert hat ein kostenloses ePaper zum Thema „Fotorecht für Fotografen“ zum Download herausgegeben, das mit Stand März 2010 Aktualität nicht missen lässt.

Der Ratgeber informiert auf 88 Seiten gleichfalls über das Sachrecht wie Urheberrecht (Recht am eigenen Bild, Bildnisschutz etc.), die Rechte des Fotografen und geht auf ganz naheliegende Themen wie „Nachahmendes Nachstellen von Fotografien“ ein. Schlussendlich wird die Rechtsbeziehung zwischen Fotograf und Verwertern geklärt.

Eine rechtliche Beratung über diesen Ratgeber hinaus leisten Karsten+Schubert Rechtsanwälte sicherlich gerne. Auf deren Homepage sind übrigens weitere Publikationen z. B. zum Vertragsrecht abrufbar.

smile!

2010-04-04T10:33:00.001+01:00

Wunderschönes Menschen- und Fotografenmärchen …

via foto-reporter

Jörg Bräuer – Mallorca

2010-03-17T10:51:00.005+01:00

pix ©Jörg Bräuer, Malloca - The Nature of Things

Mallorca ganz still. Jörg Bräuer hat die Insel mit einer resoluten Ästhetik fotografiert, die jede Ballermann-Berichterstattung in der Erinnerung sofort ausblenden lässt. Bräuer lebte fast zwei Jahre auf der spanischen Insel und nutzte diese Zeit, um ihre vielen wunderschönen Seiten abzubilden. Diese friedvollen Fotos – meist in schwarz weiß gehalten – hat Jörg Bräuer in dem Fotobildband „Mallorca – The Nature of Things“ veröffentlicht. Spendiert er den Fotografien Farbe, ist sie von der Unaufdringlichkeit der Pastelltöne geprägt. Dabei wirkt die Serie zeitlos, könnte aus einer viel früheren Epoche stammen – auch weil sie als Stilmittel eine fast schon aufdringliche menschliche Leere nutzt.

Pentax mischt endlich wieder mit im Mittelformat!

2010-03-10T13:16:00.015+01:00

Pentax' analogen 645 haben Pentax-Veteranen seit dem Siegeszug der digitalen Fotografie schon immer nachgeweint und das Erscheinen einer digitalen 645 vor jeder relevanten Messe gerüchteweise herbei gesehnt. Pentax selbst hielt sich all die Jahre in der Diskussion japanisch vornehm zurück, Nun aber ist es endlich soweit. Pentax Japan hat heute Fotos einer Pentax 645D ins Netz gestellt und ihre Verfügbarkeit für Mai 2010 angekündigt.

Pentax 645D mit Pentax-D FA 645 2,8/55 mm AL [IF] SDM AW ©pix by Pentax

Warum die Kamera bei Markteinführung zunächst nur im asiatischen Raum verfügbar sein soll, kann diskutiert werden. Geliefert wird die Pentax K645D mit dem Pentax-D FA 645 2,8/55 mm AL [IF] SDM AW. Wobei ganz Pentaxlike auch die alten Linsen der analogen 645er-Reihe, mit Adapter auch aus der 6x7-Reihe (!), an der Kamera verwendet werden können, was sie ungemein attraktiv macht – und so manch einen „zu früh“-Verkäufer seines alten Objektivparks nun zum Weinen bringen dürfte. Für Japan ist zunächst ein Verkaufspreis von umgerechnet 7.000 Euro, für das Objektiv ca. 800 Euro avisiert. Sollte die Kamera in dem preislichen Rahmen selbst nach Addition von Steuer, Zoll etc. hier auf den Markt gebracht werden, ist sie ein sehr ernst zunehmender Konkurrent für die Mittelformat-Markführer wie Hasselblad und Leica. Wann die Kamera in Europa und zu welchem Preis sie hier eingeführt wird, steht allerdings zur Zeit in den Pentax-Sternen.

Pentax 645D ©pix by Pentax

Die ersten technischen Informationen der 645D können im Vergleich zu ihren Mittelformat-Konkurrenten sehen lassen: Der Sensor kommt mit 33x44 mm und löst in 40 Megapixeln auf. Der Hochgeschwindigkeitsprozessor PRIME II soll für die schnellstmögliche Verarbeitung der bis zu 50 MB großen RAWs sorgen. Wie schon im Kleinbildbereich, damals mit istDs begonnen bis heute K7 durchgezogen, offeriert Pentax wieder hochwertige Technik in einem handbaren Chassis, das mit immerhin 70 Dichtungen dicht und wasserfest ist und somit genauso Outdoor tauglich, wie es die kleine Schwester Pentax K7 im letzten Jahr vorgemacht hat. Die 645D ist definitiv keine Mittelformatkamera nur für's Studio!

Mehr technische Informationen liefert die Microsite der Pentax 645D! (Tipp: Animation direkt skippen) – unter Impression gibt es die ersten von der Kamera gemachten Fotos zu sehen! Watch hat erste Interna zur Technik – in japanisch. Die niedlichste Liebeserklärung bisher in deutsch bei Photoscala. Die haben auch ausführlichere technische Spezifikationen in deutsch.

Ich genieße und warte jetzt erst mal bis der erste Profikritiker heult, dass die Kamera nicht filmt. *devilsmiley off*

Hier ein erster Körperkontakt bei YouTube:

The Luminous Landscape über EXPO 2010, ersten Impressionen und einem Interview mit dem Pentax Produktentwickler Yasuyuki Maekawa zur Pentax 645D.

Buch: Digitale Schwarz-Weiss-Fotografie für Profis

2010-03-07T08:51:00.012+01:00

Wer immer sich bis jetzt mit dem Automatismus seiner Digitalen bei seinen Fotografien vor der Umwandlung einer Farbfotografie in eine Schwarzweiß-Aufnahme gedrückt hat, nun langsam aber ahnt warum es vielleicht doch besser ist, die Fotos im Vollfarbmodus aufzunehmen und erst später in Schwarz-Weiß umzuwandeln, zunehmend also das Bedürfnis verspürt, die Gestaltung seiner Schwarz-Weiß-Fotos nicht mehr nur der Software seiner Kamera überlassen zu wollen, dem sei das Buch „Digitale Schwarz-Weiß-Fotografie für Profis“ von John Beardsworth empfohlen!

Das Buch bietet einen der besten Photoshop-Lehrgänge, die mir zum Thema Schwarz-Weiß-Umwandlung bisher begegnet sind. Beardsworth vermittelt hier nicht nur sein KnowHow zur digitalen Bildbearbeitung sondern teilt sein Hintergrundwissen aus vielen Jahren der analogen Fotografie – und das ist nach wie vor der beste Zugang zur digitalen Umwandlung von Farbfotografie in Schwarz-Weiß.

Manch ein Fotolaie mag ungläubig staunen, wenn er erfährt, dass der Fotograf einer Schwarz-Weiß-Aufnahme vergnügt mit einer Woche langer Arbeit in der Dunkelkammer oder am Monitor ein Foto seiner finalen Version zuführt – um ein, seiner Meinung nach, perfektes Foto zu kreieren. Aber Schwarz-Weiß-Fotografie ist die Philosophie unter den einzelnen Fototechniken. Nur wer das begriffen hat, wird auch verstehen können, warum professionelle Fotografen bei der Nennung des Feature „Schwarz-Weiß-Modus“ einer jeden digitalen Kamera zusammenzucken. In diesem Buch werden genau diese Prozesse im Einzelnen beschrieben, John Beardsworth gibt im Vorfeld Hinweise zur professionellen Aufnahmetechnik des späteren Schwarz-Weiß-Bildes und erläutert einfach, warum es nicht verkehrt ist, das Bild vorher schon unter den Aspekten Tonwert und Kontrast zu sehen, auf Lichter zu belichten und bewusst mit den Schatten zu komponieren.

Im ersten Kapitel wird erklärt, wie die Aufnahme in Schwarz-Weiß konvertiert werden kann, dabei wird keine der unter Photoshop (im Buch PS CS3 verwendet) relevanten Techniken in der Erklärung ausgelassen. Die destruktiven Techniken (z. B. Sättigung verringern) werden erklärt aber – das ist verständlich für dieses Konzeptbuch – nur angerissen. Die professionellen Techniken wie Umwandlung über Kanalberechnung, Film & Filter-Konvertierung, die Erarbeitung der Schwarz-Weiß-Aufnahme bereits im RAW-Modus oder die Grauwerttrennung, werden strukturiert und einleuchtend erklärt. Beardsworth geht dabei explizit auf die komplexen Zusammenhänge der Umwandlungsmethodik bei den unterschiedlichen Motiven wie Porträtfotografie oder Landschaftsfotografie ein. Enorm hilfreich für das Sehen lernen der Fotos, ist dabei das Herausstellen von Schwächen im Foto durch den Autor, die dem Fotografen in seinen Aufnahmen zwangsläufig immer wieder begegnen werden – er erhält hier eine fundierte Anleitung zur digitalen Korrektur.

Im zweiten Teil von „Digitale Schwarz-Weiß-Fotografie für Profis“ maschiert der Autor mit dem Leser in Richtung Feinabstimmung. Das Setzen von Kontrastpunkten wird genauso anschaulich erläutert, der Unterschied zwischen Tonwertkorrektur und Gradationskurven erläutert und über selektive Kontrastanpassung vollendet. Auch dem Bereich Abwedeln wird für die einzelnen Arten der Fotografie (Porträt, Landschaft, Reportage) eigene Aufmerksamkeit geschenkt, ebenso dem folgenden Kapitel zur Scharfzeichnung: allgemein, selektiv, über Konturen oder Teilbereiche.

Teil 3 des Buches eröffnet den kreativen Part im Workflow: Tonen, die unterschiedlichen Arten von Tonungen und wann sie in einem Foto sinnvoll sind, wie Tonwerte ausgemessen werde, was der Duplex-Modus ist – bis hin zur Simulierung unterschiedlicher Filmtypen oder Kameras. Hier kommt der Künstler voll zum professionellen Zug. Kapitel 4 widmet sich ausführlich der Bildausgabe, sei es kreativ durch Rahmengestaltung oder im Druck.

Der Autor wird dabei nie langweilig, erklärt komplizierte Zusammenhänge einfach pragmatisch und teilt sein umfassendes Wissen zur geschichtlichen Entwicklung der Schwarz-Weiß-Fotografie. Der Leser versteht, wann man welche Fotofilter einsetzt, um eine bestimmte historische Stimmung in der Aufnahme zu erzeugen. Dem Einsteiger in Photoshop erklärt dieses Buch nebenbei die Bedeutung von Funktionen in PS, die sich nicht ad hoc erschließen. Man sollte mit den Grundfunktionen von Photoshop vertraut sein, um mit dem Buch arbeiten zu können (alternativ stelle ich mir die Arbeit mit dem Buch an GIMP übrigens auch nachvollziehbar vor).

Kurz: „Digitale Schwarz-Weiß-Fotografie für Profis“ ist eine Empfehlung von Herzen! Kurzweilig, praktisch, voller Lernerfolge – und sichtlich schön aufgemacht in der Präsentation. Für einen Preis ein Schnäppchen. Erschienen bei Evergreen, Euro 14,99

FEELENS veröffentlicht Fotografen Sozialumfrage

2010-03-06T20:00:00.007+01:00

FREELENS, Berufsverband deutscher Fotografen, hat seine Mitglieder nach Ausbildung, Berufsleben, Einkommen, Altersvorsorge u.v.m. befragt. Immerhin 44% der Mitglieder haben an der Umfrage teilgenommen. Das Ergebnis dieser Sozialumfrage 2009 wurde jetzt auf der FREELENS-Homepage veröffentlicht.

So sind erstmals Informationen zur ökonomischen und sozialen Situation deutscher Fotografen wissenschaftlich aufbereitet worden. Und die Studie liest sich sehr interessant: beispielsweise sind in Deutschland nur 20% der freiberuflichen Fotografen Frauen. Und – da herrscht offensichtlich Harmonie mit dem Rest der Berufstätigen in diesem Land – Frauen verdienen offensichtlich auch hier weniger als ihre Kollegen. 45% der Studienteilnehmer sind Quereinsteiger in diesen Beruf und haben vorher bereits mindestens einen anderen Beruf ausgeübt. 60% der befragten Fotografen arbeiten zu Hause, nur 20% von ihnen arbeiten in einem eigenen Fotostudio.

Hier geht es zum Download der Studie „Die Situation freiberuflicher Fotojournalisten und Fotografen in Deutschland“ (dem Titel dürfen wir entnehmen, diese Studie ist nicht gegendert) im Auftrag von des Verbandes der Fotojournalistinnen (!) und Fotojournalisten FREELENS e. V.

Robs wahntäglicher Normalsinn

2010-03-04T07:00:00.000+01:00

Der Rob ist ein glücklicher Mensch. Sein Job zwingt ihn gerne auf Reisen durch diese Republik und über ihre Grenzen hinaus. Der Rob ist ein lustiger Mensch. Das sieht man seinen Fotos immer wieder an. Rob sieht, spielt und zeigt nun endlich auch.

pix by ro|b

Ich mag nur die Zitate nicht. Aber ich mag ja grundsätzlich keine Zitate.

Gimp-Tutorials

2010-03-03T10:55:00.001+01:00

Wem Photoshop Elements zu wenig Funktionen bietet, die Photoshop-Vollversion zu teuer ist, der ist seit jeher sehr gut bei GIMP aufgehoben, wenn es um professionellere Bildbearbeitung geht. GIMP als Open Source-Software entwickelt kostet nichts – obwohl eine kleine Spende beim Download herzlich willkommen ist oder aktive Hilfe. GIMP gibt es mittlerweile für alle gängigen Betriebssysteme und steht Photoshop im normalen Gebrauch wirklich nicht nach.

Und damit mache ich den Schulterschluss zum Foto-Reporter, der serviert nämlich auf seiner Plattform unter Tipps & Tricks bereits zahlreiche sehr gute Video-Tutorials in deutscher Sprache, die Bildbearbeitung unter der Anwendung von GIMP erläutern.

Einstieg in die Studiofotografie

2009-11-06T10:36:00.006+01:00

Dieses Internet erspart einem ja so manche Workshop-Teilnahme – inhaltlich – den Spaß an der Teilnahme holen sie einem leider nicht ins Haus. Wer sich mit mit dem Thema Studiofotografie näher auseinander setzen möchte, dem sind als Anfänger zwei Online-Tutorials empfohlen: aus dem Haus Galileo Design gibt es einen Appetizer von Pavel Kaplun „Perfekte Porträtfotos im Studio.“ Er geht hier auf die notwendig Ausrüstung für den Anfang ein, erklärt Blitzköpfe und welche Lichtformer praktisch sind, geht auf den Blitzaufbau ein und steigt dann in die Praxis ein. Das Tutorial dauert ca. 30 Minuten – und ist angenehm auf das Machbare in einem kleineren Wohnungsstudio ausgerichtet.

Intensiver auf das Thema Lichtaufbau im Studio geht dann Ken Hernderson in seinen acht Tutorials ein, die bei YouTube zu finden sind. Für dieses Tutorial sollte man Englisch können, aber wie es mit bewegten Bildern so ist – gucken reicht auch. Insgesamt eine gute Stunde Lernmaterial.

Teil 2, Teil 3, Teil 4, Teil 5, Teil 6, Teil 7, Teil 8

via PhotoshopTipps

Abschließend von mir ein Tipp für den günstigen Einstieg in die Studiofotografie in kleineren Wohnung, was die Hintergründe anbelangt. Für Porträtaufnahmen und auch für Stills löse ich das Problem mit simplen Keilrahmen aus dem Kunstbedarfladen. Für die Porträtaufnahmen ist es ein Rahmen von 200 cm (Höhe) x 140 cm (Breite). Auf den wird zusammen gesteckt ein Spannbettlaken in beliebiger Farbe (sie sollten qualitativ etwas dichter gesponnen sein und nicht glänzen, also keine Ikea-Ware) gezogen. Nimmt man ein normales Laken, vielleicht der Farbe wegen, kauft man im Bastelbedarf Klammern und spannt das Laken mit denen auf den Rahmen. Breiter geht also immer – dann die eine Seite der Rahmen mit einer noch längeren Seite tauschen und ein größeres Laken nehmen. Reicht für den Anfang und ist selbst im Transport sicher eine sperrige aber immerhin leichte Angelegenheit. Für die Food-Stills nehme ich das gleiche Prinzip für die Hintergründe und spanne Geschenkpapiere (matt!), die farblich auf die Tischdeko abgestimmt sind auf. Im Foto sieht nachher kein Mensch, was den Hintergrund stellt. Und die Rahmen sind schnell wieder auseinander gebaut und in der Ecke aus dem Blickfeld sortiert.

Henry Horenstein

2009-10-14T11:18:00.007+01:00

lebt in Boston, arbeitet als Fotograf, Autor und Professor der Fotografie. Horenstein zelebriert ausschließlich in schwarzweiß, allenfalls gönnt er seinen Fotografien einen Sepia-Stich und kommuniziert in seinen Bildern mit einer unverkennbaren ureigenen Sprache. Bekannt wurde er durch seine wissenschaftlichen Betrachungen der „Aquatics, „Canine“ oder „Creatures“, er fotografiert Tiere oder Details von Tieren und setzt sie in einen deutlichen Kontrast zur üblichen Naturfotografie.

pix © henry horenstein

Horensteins Fotos muss man betrachten und überdenken, um ihnen tatsächlich auf die Spur zu kommen. Sie erinnern an die frühe Form der Darstellung naturwissenschaftlicher Phänomene, der Illustration. Sie zeigen nicht plump, sie zeichnen das Bild einer Kreatur. Ganz anders seine Serie „Honky Tonk“, hier widmet sich Horenstein ganz dem Menschen, er portraitierte die Country Musiker von 1971-1982 in den USA. Es war sein Erstlingswerk, das erst 2003 als Buch veröffentlicht wurde und an die Eigenarten aber auch Schönheiten der Zeit des Hillybilly erinnert.

Joel Sternfield – On This Site

2009-10-13T12:04:00.005+01:00

Die Buchmann Galerie in Berlin zeigt bis zum 7. November 2009 Exponate aus der Serie „On This Site“ (Tatorte) des amerikanischen Fotografen Joel Sternfeld. Sternfeld bekannt als der Fotograf, der Ende der siebziger Jahre wieder die Farbe, „New Color“, in die Kunstfotografie zurück brachte.

pix © Joel Sternfield

Die in der Ausstellung präsentierten Fotografien erzählen von Sternfelds Reise durch die USA zu zahlreichen, längst in der Vergangenheit liegenden Schauplätzen von Verbrechen mit Todesfolge. Man sieht harmlose Fotos, deren Tragik in den ihnen beigegebenen Texten erst deutlich wird. Ein alter Baum gewachsen an der Rückseite des Metropolitan Art Museums in New York in dem warmen Licht der Abendsonne oder die Totale einer seit langem geschlossenen US-Bar, typische Motel-Szenerien. Alle Aufnahmen erzählen die Geschichte von der jungen Frau, die von ihrem Bekannten hinter dem Museum umgebracht wurde. Das Hotel auf dessen Balkon Martin Luther King erschossen wurde, hier wurde ein afroamerikanischer Jugendlicher von Weißen zu Tode geprügelt, dort der Arzt von Abtreibungsgegnern erschossen.

Als Sternfeld das Foto vom Baum im Park des Metropolitan Museums geschossen hatte, erkannte er, dass er über die Jahre eine lange Liste von Orten gespeichert hatte, an denen – ihm unbekannte – Menschen durch fremde Hände zu Tode gekommen sind. Orte, die er mit diesen Verbrechen identifiziert und daher nicht mehr vergessen konnte. Dieser Liste ist er in diesem Projekt durch die USA gefolgt und hat sie visualisiert, sich dabei die Frage stellend, ob nicht jeder von uns ebenfalls eine solche Liste mit sich trägt?

photoillustres magazin der kamerakunst

2009-10-01T11:41:00.008+01:00

Ich mag blumige Namen aber der ist selbst mir zu lang und geschwollen. Dennoch ein wirklich schönes internationales Projekt von und für alle, die Fotografie mögen, gucken, schaffen. „It's all about Kamerakunst“, schreibt Manuell Linnenschmidt, der Initiator dieses Online-Foto-Magazins in dem vor allem Autodidakten ihre fotografischen Arbeiten präsentieren.

Soeben ist nach Nr. 1 „fotografik“ die zweite Ausgabe „kamerakunst“ erschienen. Mit Porträtfotografien von Andreja Budjevac, Belgrad, den Stills von Captain Fluo, Paris und vielen mehr. Herausragend in dieser Ausgabe der rumänische Kamerkünstler Dan Beleiu, Temeswar. Ich mag die Fotos von Martin Guder, der Berlin aus der Streichholzschachtel fotogafiert, die er zu einer Camera Obscura umgebaut hat.

pix © Martin Guder

Und vor allem die Lomografien von Nadine Reichling, Mannheim, die sie mit der Diana F+ gemacht hat.

pix © Nadine Reichling

Photoillustres Magazin der Kamerakunst ist ein liebevolles, gelungenes Online-Projekt. Eines dieser Sorte bei denen man versteht, warum dieses Internet großartig ist. Angucken und dann selbst mitmachen? Hier entlang!

Rebekka Guðleifsdóttir

2009-09-30T08:27:00.006+01:00

Guðleifsdóttir. Bei so einem Nachnamen verspürt man als Autor tiefe Dankbarkeit über die Funktion von Paste & Copy. Die Empfehlung für diese junge blonde hübsche (!) Fotografin kam heute via twitter, dabei wurden insbesondere ihre Island-Fotografien unter scenery uns ans Herz gelegt. Ich mag die Aufnahmen, bin aber keine Freundin von allzu viel Einsatz der Photoshop-Farbfilter. Sie packt mich eher bei den weitwinkligen Aufnahmen der verfallenen isländischen Architektur, deren gestürzte Linien sie konsequent gestürzt lässt. In Fauna wird's mir langsam zu bunt mit dem Einsatz des Weitwinkels, ich übersehe mich – obwohl die Aufnahmen und Montagen viel Talent beweisen. Ich gehöre zu denen, die die pure Fotografie lieben, allzuviel Montage-Arbeit nur in der Werbefotografie dulden wollen.

pix © Rebekka Guðleifsdóttir

Mit dolls packt sich mich. Da ist alles, was ich nicht leiden kann: Puppen und viel Chemie aus dem Rechner den Fotos angetragen. Aber die fiesen kleinen Plastikdinger scheinen zu leben, gut so! Rebekka Guðleifsdóttir bloggt.

Life is too short, eat the chocolate and shut up

2009-09-03T12:54:00.009+01:00

Sara Remington ist eine hochtalentierte Food-Fotografin aus San Franzisko. Sie schafft es, wie selten ein anderer Fotograf in diesem Genre, ihre Food-Fotos von dem Sinn der Werbefotografie weg sich hin zu einer realen Kunstform entwickeln zu lassen.

Der Titel meines Posts entstammt ihrer 8-Schritte-zum Erfolg-Liste, Nr. 4 aus ihrem aktuellen Blogeintrag. Recht hat sie! Im Blog schreibt Sara über ihre Reisen und Arbeiten, natürlich ausführlich fotografisch dokumentiert. Ende August hat sie den zweiten sehenswerten Teil ihrer Reihe „Letters from Argentina, round two“ gebloggt. Teil 1

pix © Sara Remington

Ich finde es grandios, wie sie die Tiefe in dem Foto mit Hilfe der Fleischhälften als Umrahmung aufbaut. Das ist etwas anderes als die übliche Anwendungsweise dieser Technik in den Urlaubsfotomassen, wenn hübsche Bougainville-Kübel nette Haustüren umrahmen. Die gleiche Technik verwendet Sara Remington in ihrem ersten Argentinienbeitrag schon im Schaf-Foto in dem der Scherer als Nebensache die Tiefe des Fotos ermöglicht. Sie schafft es so, dem abgebildeten Alltag in diesen Fotos etwas Seele einzuhauchen.

Polaroids

2009-07-26T10:37:00.007+01:00

spiegel.de hat eine neue Serie ins Leben gerufen und präsentiert Photographien, die ausschließlich mit Hilfe der analogen Wundertechniken wie Polaroid, Lomo, Holga u. a. entstanden sind. Eine erste Photoreihe mit ganz klassischen sowie sehr ungewöhnlichen Polaroids ist hier zu sehen. Eigene Arbeiten können eingereicht werden.

pix © Christian Hang

Dabei fallen die Photographien von Christian Hang besonders auf, der die Aufnahmen seiner SX70 (SX70 manipulation) im Entwicklungsprozess mit chinesischen Essstäbchen, Nähnadeln und einem Fön einem ganz eigenen Bearbeitungsprozess unterzieht und einmalige Polaroid-Unikate kreiert.

Maisie Crow

2009-07-25T12:53:00.004+01:00

Love Me – Autumn, 17, lives in a small town in Southeast Ohio with her parent and two siblings. She is coming of age in an environment that lacks the emotional and financial resources to faciliate her growth into adulthood …

© Maisie Crow

Maisie Crow, Fotojournalistin, sehenswert die Arbeiten unter „Multimedia“. Ach was, alle Arbeiten sehr empfehlenswert.

Bruce Weber im Interview

2009-07-08T09:45:00.006+01:00

Die Welt am Sonntag hat mit Bruce Weber ein ein Interview geführt, das online verfügbar ist. Der Mode- und Werbefotograf stellt recht philosophische Überlegungen zu seinen Kameras an.

Split-Cam

2009-07-06T10:05:00.006+01:00

Ina hat mir neulich ihre in die Hand gedrückt zum eingewöhnen. Die Split-Cam. Die Dame kommt natürlich aus der Ecke der Lomografie. Und sie ist eine nette analoge Kamera, das Modell Plaste de Luxe, die man mit einem – gerne auch mal – Farbfilm bestückt und die es einerseits ermöglicht auf ein bereits belichtetes Foto zurück zu stellen, um es doppelt zu belichten. Darüber hinaus lässt sich der Sucher auch vertikal und horizontal hälftig oder ganz abdecken, so dass auf Wunsch nur ein Teil des Fotos belichtet werden kann (niedliches Feature, man kann den Sucher dann dementsprechend manuell anpassen). Fotografiert wird ohne Batterie, rein mechanisch – Split-Cam-Fotografie macht viel Spaß, weil sie die eigene Fotografie einem neuen Konzept zuführt.

So geht man entweder durch die Welt und fotografiert Hälften oder Viertel und setzt dem später ein passendes Pendant dazu auf die zweite Belichtung oder man startet ein Bloggerprojekt, wie es Anfang des Jahres die Chikatze tat und lässt die Split-Cam durch die Welt reisen, damit jeder teilnehmende Fotograf sein zweites Bild auf das von einem anderen bereits belichtete fotografiert und im Anschluss sein eigenes an den nächsten Fotografen in der Runde weiter reicht. Hier sind die Ergebnisse zu sehen aus der Runde von 12 Bloggern.

Ich knipse jetzt noch meinen Film voll, dann werden Ina und ich das Projekt in Berlin lancieren. Freiwillige vor.

Übrigens ist der Spaß nicht nur den analogen Fotografen vorbehalten, die Pentax K7 kann nämlich auch doppelt – bis zu neun Mal – belichten, wie Ned Bunnell hier sehr schön präsentiert – das ist eines ihrer klitzekleinen Features mit dem ich viel Spaß haben werde! Das gibt der eigenen Fotografie einen völlig neuen Drive!

Denis Dailleux

2009-07-05T07:44:00.005+01:00

französischer Fotograf, heute in Cairo lebend. Einer der Sorte, beim Betrachten seiner Porträtaufnahmen man sehr froh ist, dass hier jemand seiner Berufung folgt. „Ägypten, meine Liebe“ entführt Denis Dailleux uns in eine andere Welt. Sehenswert scheint mir jedes Bild von ihm, mit viel Liebe fotografiert: seine Tante Juliette– Fotos, die man länger mit durch sein Leben trägt.

© Denis Dailleux
via Charming Quark

Pentax K7 – und was die anderen meinen!

2009-07-01T07:21:00.001+01:00

Da sich die vier Testwochen mit der Pentax K7 nun dem Ende neigen und Pentax die Testkameras und Vorserienmodelle wirklich und ernsthaft wieder haben will, was sich, soweit ich die Meinungen überblicke, nicht wirklich mit dem Wunsch der Tester deckt, hier im Folgenden einige Links zu den speziellen Meinungen der anderen Kameraprüflingen, die wie ich das Vergnügen hatten mit ihr zu fotografieren und teilweise deutlich technischer getestet haben als ich, die ich gefühlt „nur“ fotografiert habe. Die Testberichte sind spannend individuell, man sieht sehr deutlich, was zehn Fotografen für sehr unterschiedliche Voraussetzungen an ihre Kamera stellen. Schon alleine für diesen Lesespaß, danke an Pentax für die Aktion!

Zuseher* hat sich über den Autofokus Gedanken gemacht und sich schon einmal dem legendären Thema „Schnittbildscheibe“ bei der neuen Pentax genähert. Fotos sind bei ihm in den Links zu Hauf zu finden.

Inline-Igel nenne ich nun den Rausch-Papst, Pentax hatte uns in der Mitte der Zeit die finale Firmware zukommen lassen, die im Vergleich zu der mit ihr zuerst gelieferten 0.00er Version erstaunliche Ergebnisse zu Tage brachte. Rauschen? Nun, dann seht Euch die ISO1600-Fotos an. Wenn es auch immer Menschen geben wird, denen das immer noch nicht gut genug ist, ich finde so eine Qualität, vor allem im Vergleich zu den früheren Modellen, sensationell.

Die Pentax K7 hat unter anderem als eines ihrer vielen kleinen netten (brauchbaren) Gimmicks eine Verzeichnungskorrektur (man mag ihr bitte nachsehen, das diese nur bei den digital optimierten Objektiven funktioniert). Das heißt, sie kann bei z. B. weitwinkligen Objektiven, die eine recht ausgeprägte Verzeichnung den Fotos als persönliches Merkmal aufdrücken, automatisch korrigierend eingreifen. Sie beschneidet die Fotos zwar zwangsläufig, etwas, was man aber als Fotograf vorab einkalkulieren wird, denn man kennt ja seine abbildenden Früchten. Kafenio hat seinen Test mit dem Pentax DA 14 2.8 online gestellt. Er hat in seinem Blog übrigens auch sein persönlichen Schwachpunkte an der Kamera zur Sprache gebracht, wir sind halt alles Individualisten. Und er hat sich in die Videofunktion so verliebt wie ich, nur wo sind die Filme? Na gut, dafür seine internationale Linksammlung zur Pentax K7 – und er ist wohl der Erste mit einem Fazit zu seinem Test.

Falconeye hat sich intensiv mit der Auflösekompetenz der K7 im Vergleich zum Vorgänger K20D beschäftigt. Ja, er bloggt in englisch - die Bilder sprechen für sich. Das umfangreiche Test-Tagebuch von tzcobretti ist auf seiner Homepage zu finden.

Der Österreicher, proteus1625, in unserer glücklichen Testerrunde ist mit seiner Test-K7 ab in die Grube, Druck testen. Er hat die HDR-Funktion ausprobiert und darüber geschrieben (die ich völlig links liegen gelassen habe.)

Jim hat sich dankenswerterweise an die, nennen wir sie liebevoll „Spielfilter“ gemacht. Tatsächlich kann man die Fotos schon in der Kamera recht gut für einen Druck direkt aus der Kamera heraus bearbeiten, sei es, ob man den Bereich eines Fotos freistellen will oder Linien begradigen, die Oma etwas dünner zeichnen als sie in Realität ist und im Nachhinein dem Foto etwas mehr Farbe oder Schärfe geben. Das SchnickSchnack-Programm der Pentax K7 ist da recht umfangreich geworden. Ich bin ehrlich, ich habe dafür Rechner und Software – aber das mag die Erklärung sein, warum wir in zehn Jahren Kameras mit einem 13"-Display mit uns herum tragen werden und der Sucher bei DSLRs weggefallen sein wird, denn uns dann zehn Jahre später das Marketing als Novum wieder teuer verkaufen wird, egal … Jim ist soooooo eine verdammt coole Socke auf dem Rad! Der Film zeigt, dass die K7 das Zeug dazu hat, Pentax-Fotografen auf ein völlig neues Kreativitätslevel zu bringen.

Natürlich gibt es und gab es im Blog von Ned Bunnell immer wieder Lesens- und Sehenswertes zur neuen Pentax, hier auch auf englisch.

Und last but not least, wurden im DFN-Forum viele, viele Fragen zur Pentax K7 gestellt und viele, viele davon von den Testern beantwortet. Schaut selbst, vielleicht sind Eure relevanten Fragen darunter. Video-Samples der Tester können hier betrachtet werden.

Mein Fazit wird in den nächsten Tagen folgen und noch habe ich genügend Material auf dem Rechner, das ich noch gar nicht gepostet habe.

(*Forumsnamen der Testkollegen)

SMC Pentax-DA 3.5-5.6 18-55 AL WR

2009-06-23T20:57:00.013+01:00

Das Kit-Objektiv, das neue noch wasserdichtere, hat uns Pentax mit der Pentax K7-Testkamera geschickt. Wenn ich ehrlich bin, habe ich es nach diesem einen Test von der Kamera genommen und meine anderen Objektive in Einsatz gehabt. Neulich unterhielt ich mich mit einem Forumskumpan in stiller Zweisamkeit im Forumshintergrund und wir kamen auf das Kit-Objektiv zu sprechen. In der Folge habe ich mir vorgenommen, es wenigstens einen Tag mal im Einsatz zu haben – ich stehe nämlich ehrlich gesagt auf „billige“ Linsen, die ihre Dienste ordentlich verrichten, und habe null Probleme damit den Objektivparkprotzern (zu der ich leider mittlerweile allerdings selber mutiert bin), mal verbal elegant die Kante zu geben. Ergo ließ ich heute das Rad stehen und lief zu Fuß die ca. 2 Kilometer zur Bank und neuen Tempelhofer Einkaufshölle und knipste zwischendurch Wiese, Farben und was mir sonst vor die Linse kam.

Das Objektiv selber ist klein, sehr leicht – im Grunde ein ideales Urlaubszoom für den Einstieg. Mit einem Crop-Faktor von 1.5 dürfte die Brennweite bei ca. 28-82 liegen, und so würde ich die 18 mm auch nicht mehr wirklich echtes Weitwinkel nennen wollen, wie Pentax es macht. Also wer nach USA fliegt und Hochhäuser im ganzen Format fotografieren möchte, dem sei dann doch noch ein weiterer Einkauf ans Herz gelegt. Der Abbildungsmaßstab ist 1:3, das ist nicht echtes Macro aber wenn man sich die Blütenfotos gleich anguckt, eben doch nahe dran. Ich finde keine Angaben über den Nahstellbereich; kann aber nach heute sagen: sehr nah! (Für Menschen wie mich, die gerne Blumepollen auf der Linse haben, ist das sehr wichtig!)

Man kann eine Menge mit der Linse anstellen und wenn das Budget noch knapp ist, kann jeder damit absolut zufrieden sein, wenn er will – vor allem bei gutem Licht. Ich war und bin übrigens mit meinem Kit-Objektiv der ersten Generation sehr glücklich und obwohl ich inzwischen gut aufgerüstet habe, ich gäbe das nie her! Ich habe auch nie verstanden, warum das so manche „Pentax-Forums-Fotografen“ das so gerne in Grund und Boden schreiben wollten: es ist ein Zoom und bringt die dementsprechenden Schwächen mit, es hat seine Lichtstärke sehr deutlich formuliert und damit logischerweise auch seine Lichtschwächen – aber das ist ja etwas, was die Kameras zunehmend mit ihrer Technik ganz gut kompensieren können – bis zu einem bestimmten Maß natürlich nur. Das Objektiv kostet nicht die Welt – dafür ist aber auch das WR hier sein Geld allemal wert, wenn nicht mehr. Nun ist diese Optik tatsächlich im Einzelpreis etwas teurer als die früheren Kit-Objektive von Pentax, weil es wassserdicht ist – gut, wir können mit dem Schnuckelchen also auch duschen gehen. Wobei, warum soll eine Mutter nicht tolle Fotos von ihren Knirpsen im Planschbecken machen wollen? Jedenfalls schließt sich da der Kreis zur K7, sie vertragen es beide nass. Mit dem Objektiv zusammen hat man ein gebündeltes kompetentes Pärchen an Technik in der Hand, das man Kilometer weit tragen kann ohne, dass einem der Arm lang wird dabei.

Was mich heute bei den Schnellschüssen (sie sind alle aus der freien Hand und es war hier heute in Berlin unglaublich windig bis stürmig (also Hut ab vor dem neuen Autofokus!) bei ISO 100, Blende 8 (bis auf ganz wenige bei Blende 11), Antishake an, JPEG ****, Modus: leuchtend gemacht) fasziniert hat, Pentax hat es erstmals geschafft für mein Empfinden eine Kamera-Optik-Kombination zu basteln, bei der nun nicht mehr Geld- und Rottöne völlig absaufen! Ich stehe da mit dem 2.8 16-50 so etwas von auf Kriegsfuß … und wenn ich mir überlege, was ich dafür an Geld ausgegeben habe, ach nee, das überlege ich mal besser nicht – sonst bekomme ich noch schlechte Laune Womit wir zwangsläufig (16-50er-Besitzer verstehen mich) beim Bokeh wären: tadellos beim Kit-Objektiv. Erstaunlich ist übrigens, wie abgestimmt die Fotos unter der Einstellung aus der Kamera kommen – ich habe vielleicht bei zwei Fotos minimal die Tonwertkorrektur genutzt. Das ist ziemlich nah am perfekten Foto, Pentax – alles Achtung!

Naja, was soll das mit den langen Worten: hier ein paar Aufnahmen, bei Klick auf's Bild werden sie größer, wenn auch nicht Originalgroß. Sollte jemand eines davon im Original laden wollen, bitte Bescheid geben.

Kurz: jeder der mir demnächst in einem der Foren erklären will, man könne mit diesem Objektiv keine ordentlichen Fotos machen und überhaupt und so, der darf sich auf ein fröhliches Gegenfeuer gefasst machen!

Mein Zwischenfazit bis jetzt mit Kamera und Objektiv: Außer der Tatsache, dass irgendein Produktdesigner-und Softwarefrickler-, aber keine-Ahnung-vom-Fotografieren-Team die Auswahl für das Setzen des Spot-Punktes auf einen Doppelklick gelegt hat und weg von der rechten Wippe, dafür dort die dämlichen Farbmodi gelegt haben, wofür ich die jedes Mal, wenn ich die Kamera in die Hand nehme und das tue ich zu- und ausnehmend gerne – mit ‘nem nassen Waschlappen erschlagen möchte, wüsste ich keinen ernstzunehmenden Grund (sic!), warum ich Pentax die Testkamera zurück geben sollte oder wollte. Aber was die Umbelegung der Wippe anbelangt: WAS haben die sich dabei gedacht, eine 08/15-Funktion so zu positionieren und eine Funktion, die jeder Fotograf, der nicht nur ablichtet sondern Fotos komponiert, wirklich ständig benutzt in der Hierarchieebene dahinter zu legen? Ihr seid solche Deppen! Ich habe deswegen richtigen Hass inside! Ehrlich. Wie kann man so konträr zur fotografischen Praxis programmieren und produktdesignen?

Aber das Objektiv kann man kaufen!

Pentax K7 – (m)ein erstes Fazit

2009-06-07T12:47:00.008+01:00

Ein erster subjektiver Bericht nach drei Tagen mit der Pentax K7 in denen ich leider deutlich weniger zum Fotografieren gekommen bin, als ich es mir gewünscht hätte.

Meine persönliche Historie vorne weg: Ich habe die letzten Jahre ausschließlich mit der Pentax istDs fotografiert. Sie ist eine Kamera mit der ich bis heute sehr zufrieden bin, die gut in meiner Hand liegt, natürlich kann man bei ihr über zu wenig (immerhin 6 Mio) Megapixel stöhnen (ich belichte meine Aufnahmen nur sehr selten auf 3,90x2,60 m aus, das habe ich mir schon aus Kostengründen gekniffen), einen zu langsamen Autofokus bemängeln (wenn ich wollte, habe ich sehr gute Freestyle-Frisbee-Aufnahmen auch mit einem „langsamen“ Tamron 28-320 DI gemacht. Fotografen haben früher ohne Autofokus sehr gute Sportfotografien hinbekommen, man darf sich ruhig auch mal als FotografIn entwicklen (und bewegen).) Alleine Antishake hätte ich gerne an der istDs gehabt. Aus privaten gesundheitlichen Gründen. Und natürlich möchte man nach vier Jahren in denen sich im DSLR-Bereich viele sinnvolle (und ungefähr genauso viele weniger wirklich sinnvolle) Neuerungen ergeben haben, mit diesen irgendwann einen Schritt weiter gehen.

Diese Entscheidung stand bei mir an und ich habe mit einer Kaufentscheidung gewartet bis die ersten Informationen zur K7 rauskamen. Ohne Zweifel eine sehr attraktive Kamera, dennoch habe ich mich entschieden, mir zunächst die Pentax K20D zu kaufen und für die Preisdifferenz zur neuen K7 mir ein lichtstärkeres Objektiv anzuschaffen. Unternehmerischer finanzieller Pragmatismus. Mehr nicht. Das einzige Argument, was für mich immer gegen die K20D gesprochen hatte, war ihre Größe. Das kleinere Gehäuse auf den ersten Blick – ohne sie zu diesem Zeitpunkt – in der Hand gehabt zu haben, sprach natürlich für die K7. Aber da ich wiederum – momentan – kein wirklich hohes Interesse an einer Filmfunktion, ergo Liveview an einer Spiegelreflexkamera habe (primär will ich nun mal fotografieren) und jeder Autofokus für mich nach der istDs schneller ist, waren auch hier die angekündigten Neuerungen und Verbesserungen gegenüber der K20D zum jetzigen Zeitpunkt keine allzu relevanten Argumente für mich.

Also habe ich eingekauft, ich brauche eine zweite Kamera kommende Woche für einen Job und habe ziemlich unverhofft auch letzte Woche das Paket mit der Testkamera von Pentax erhalten. So sitze ich hier jetzt also mit zwei – für mich – nagelneuen Kameras, als auch den beiden Pentax DA* 2.8er SDM-Zooms, die sowieso alles schneller machen, was vorher bei mir Standard war. Ob sie auch alles „schneller und schärfer“ machen, das sei noch dahin gestellt. (Ganz ehrlich schreie ich hier gerade nicht „hip hip hurra!“, will aber erst mal meine eigene Inkompetenz ausschließen bevor ich mich verhalten bis negativ äußere.) Demzufolge kann ich aus logischen Gründen keine Vergleichsäußerungen treffen, inwieweit der eine Autofokus schneller, schöner, bunter, weiter schießt. Ich kann nur einen Umstieg von einer istDs auf eine K7 beschreiben und nachvollziehen und natürlich gibt es hier einen fühlbaren Unterschied – den kleineren Schritt von der K20D zur K7 müssen andere vergleichen.

Ich habe die Pentax K7 ausgepackt, in die Hand genommen und sie war es! Diese Kamera legt sich einem in die Hand als hätte sie nur darauf gewartet. Die Knöpfe sind im Vergleich zu Pentax K20D neu angeordnet. Wie ich finde, deutlich klüger und ergonomischer. Die Knöpfe sind momentan der Hauptgrund, warum ich mich in die K20D nicht Hals über Kopf verliebe. Ich muss gucken und überlegen, wo ich was finde – was natürlich auch mit an der für mich logischen Umstellung von zwei Rädern für Zeit- und Blendenwahl liegt, die istDs hatte da bekanntlich nur eines. Mir ist sehr bewusst, dass ich mir da auch selber im Weg stehe. Der Unterschied vom kompletten Metallchassis der Pentax K7, das sie nun noch wasserdichter und robuster gegenüber der Pentax K20D macht, ist da – aber ehrlich gesagt nicht so fühlbar. Ich wüsste nicht an welchem Punkt, welcher Stelle ich da nicht jederzeit der K20D vertrauen würde. Die Kamera indes finde ich optisch absolut attraktiv, kein Bubbledesign, klare Linien. Das mag einer altmodisch nennen, ich finde es schick und zeitgemäß. Diesen „in der Hand haben und nicht mehr los lassen wollen“-Effekt haben bis jetzt fast alle beschrieben, denen ich die Kamera in die Hand gedrückt habe.

Auch die Software ist völlig neu strukturiert, ich empfinde den Umbau anwenderfreundlich und logisch. Dazu sei gesagt, uns wurden die Kameras ohne Manual in die Hand gegeben. Mit etwas Ruhe hat man die wichtigen Punkte drauf, auch wenn die mitgelieferte Firmware Version 0.00 (!) gefühlt noch nicht ganz rund läuft. Pentax hat uns hier aber die neueste Version in ca. zehn Tagen angekündigt, die auch der Kamera ein völlig anderes Rauschverhalten mit auf den Weg geben soll. Insofern kann man diesen Punkt zur Zeit getrost unkritisch sehen. Durch die neue Filmfunktion ist das Menü natürlich etwas umfangreicher geworden. Ich glaube fest daran, dass „neue“ Pentaxfotografen sich hier sehr schnell zu Hause fühlen werden, wir alten Pentax-Menü-Gewöhnten müssen uns umstellen, ganz klar. Aber ganz ehrlich, das ist nichts was nicht an einem ruhigen Nachmittag verinnerlicht werden kann. In der Summe fühle ich mich heute mit der Kamera aber wohler als mit der K20D – für mich ist das alles stimmiger.

Mich überzeugt der neue Vierwegregler; der ist jetzt viergeteilt und greift direkt auf die Funktionen Weißabgleich, Blitzmodus, Serienbildfunktion etc. zu. Das heißt der vorherige Druck auf die FN-Taste ist gestrichen, weil auch diese gestrichen wurde im Kameradesign. Saß rechts vorher in dem Menü die ISO-Einstellung, gibt es hierfür heute einen Knopf oberhalb des Anschalters, im Menü sind dafür die Filterfunktionen eingezogen – jut, wer es braucht. Aber diese Lösung und Anordnung finde ich absolut optimal und intuitiv. Wer eine Weile mit der Kamera fotografiert hat, der nimmt das Auge vermutlich nicht mehr vom Sucher, um hier Einstellung vorzunehmen.

Diese neue Lösung – so gut ich sie einerseits finde – bringt aber wiederum für mich den größten Minuspunkt der Pentax K7 mit – und ich sage ganz deutlich, das wäre auch das Hauptargument für mich gegen einen Kauf: ich fotografiere immer in SEL und verstelle den Spot im Sucher, ich fotografiere nur so. Das ist für mich die erste Einstellung, die ich an einer Kamera an Funktion einstelle. SEL und dann im Vierwegregler die Richtung bestimmen. So landet man aber jetzt eben im Filter-Modus. Will ich indes den Spot verstellen, muss ich immer zuerst die ok-Taste drücken. An dem Punkt muss ich sagen, haben die Pentax-Leute nicht um die Ecke gedacht – weil professionellere Fotografen eben auf diesen Gesichtserkennungs-, Black&White-Modus-Kram pfeifen, dafür fotogafieren sie in RAW und regeln den Rest in der Dunkelkammer auf ihrem Rechner. In dem Punkt als ist die Verbesserung eine Verschlimmbesserung und für mich nicht akzeptabel. (Edit: Die die Pentax-Entwickler haben hier sehr schnell reagiert und wenige Wochen nach Verfügbarkeit der Kamera mit einem Firmware-Update uns Kritikern optional wieder ermöglicht zu der alten Belegung zurückzukehren. Also alles gut!)

Das Modusrad hat jetzt einen Verstellschutz bekommen, man muss einen Knopf drücken bevor man das Rad verstellen kann. Als wir gestern darüber diskutierten, gab es diesbezüglich alle Auffassungen von „nicht notwendig, nervig da jetzt einen zusätzlichen Knopf zu drücken“ bis „doch, ist mir schon mal passiert, dass sich das Rad verstellt hat, finde ich daher gut.“ Das sich das Rad generell schwieriger drehen lässt als das der K20D, ist es für mich ein verzichtbares Gimmick.

Livewiew wird mit einem Knopfdruck im Gehäuse angeschaltet. Für mich im Fotografiermodus keine Option, ich liebe den Sucher. Sinnvoll ist sie natürlich absolut, wenn gefilmt wird. Aber solange geht sie bei mir schlafen.

Ganz schlimme Design-Inkompetenz: die neue Trageriemenhalterung, nicht mehr im Gehäuse eingefasst, sondern kleine silberne Aufhängungen mit Filzlappen gegen das Klappern geschützt. Gut, mag sein, dass Pentax hierfür noch den Super-Duper-Trageriemen ausliefert, der der ganzen Sache eine sinnvolle und schicke Lösung angedeihen lässt. Im Moment aber habe ich Elemente an einer Kamera, die im Zweifelsfall klappern – und das als Neuerung an einer Kamera, die erstmals mit Videofunktion und somit einem zudem noch sehr guten Mikrofon daher kommt. Entschuldigung?! Darüber hinaus muss man jetzt Bänder durch drei Laschen ziehen, mir war schon das Gefummel mit nur einer, die Variante eine zu viel. Insofern vergebe ich für die Aufhängung jetzt erst mal Null von 100 möglichen Punkten. Schön dagegen die Öffnung vom SD-Kartenfach, einfach mit Daumendruck nach vorne schieben: offen. Macht einen sehr stabilen in sich ruhenden Eindruck, ich bin überhaupt keine Freundin der „den Nippel durch die Lasche ziehen-Variante der K20D.

Soviel von mir für heute und die nächsten Tage. In denen ich aber die K7 intensiver testen kann als in den vergangenen Tagen – und darauf freue ich mich sehr! Ich bin übrigens sehr, sehr angetan von der Videofunktion, hohes Spaßpotential und sie wird wohl den einen oder anderen Fotografen auf völlig neue kreative Wege geleiten. Es gibt aus jetziger Sicht sehr gute Gründe für den Kauf einer Pentax K7, finde ich ganz ehrlich, die Videofunktion und wie sie gelöst ist gehört unbedingt dazu (und ich bin eigentlich keine Filmerin) aber noch ärgere ich mich nicht über meine Kaufentscheidung für die K20D. Noch hat nichts richtig weh getan! Mal gucken …

Pentax K7

2009-06-07T10:06:00.010+01:00

Nein, dies ist bitte kein Objektivtest. Es sind nur erste Pentax K7-Fotos. Natürlich darf man aber gerne zur Kenntnis nehmen, dass das Pentax 18-55 WR-Kitobjektiv sehr wohl völlig passable Fotos macht. JPEG höchste Stufe, ISO 400, Wackeldackel an, Tonwertkorrektur in PS.

Foto oben: DA 18-55 3.5-5.6 WR Kitobjektiv
Foto unten: DA 35 2.8 Macro Limited

(Bei Click auf das jeweilige Foto gibt es sie in größer.)

Die Pentax K7

2009-06-06T12:38:00.006+01:00

Seit zwei Tagen liegt sie hier bei mir, eine der zehn Testkameras aus der Pentax-Kunden-testen-die-neue-Pentax K7-Aktion! Ich hoffe, ich komme morgen zu einem ersten – es wird wohl ein leidenschaftliches werden – Fazit. Sie hat wirklich das Talent sich ins Fotografenherz zu schmeicheln, auf den ersten Blick und Anfasser.

Vorab als kleiner Appetizer stelle ich hier ihren Auslöser-Sound online – im Vergleich dazu den vom älteren Pentax-Flaggschiff, der Pentax K20D.

Download pentax - K7shutter

Download pentax - K20dshutter

Vorab weitere Interna vor allem zur Videofunktion gib es im Blog von Ned Bunnell.

inside a digital cam

2009-05-30T09:58:00.005+01:00

Die Leute vom XTekTeam finde es spannend mit Hilfe von CT-Scans irgendwo hinein zu kriechen, hier in eine digitale Kompaktkamera – ein multimedialer Spaziergang :

Ich empfehle wegen der eingegrenzten Darstellung hier im Blog das Angucken auf dem youtube-portal.

Online Image-Editor

2009-05-29T07:29:00.003+01:00

Ein „Photoshop To Go“: pixlr kann alles, was man braucht, um ein Foto zu bearbeiten. Nur passiert das online. Praktische Lösung für mal eben unterwegs, wenn der eigene Rechner nicht dabei ist.

Photoshop in der Reportagefotografie in der Konsequenz

2009-05-10T09:39:00.006+01:00

Erstmals haben Juroren des internationalen Fotowettbewerbs «Picture of the Year» in Dänemark nachträglich um die Zusendung der unbearbeiteten RAW-Files bei dreien der teilnehmenden Fotografen an die Jury gebeten. Einer der angefragten Fotografen, Klavs Bo Christensen, tat dies und in der Folge wurde seine eingereichte Serie von der dreiköpfigen Jury vom eigentlichen Wettbewerb ausgeschlossen. Die Jury befand, die Fotos des Fotografen seien zu stark durch den Einsatz von Photoshop verfremdet worden und würden so hinsichtlich der Statuen der Reportagefotografie nicht mehr glaubwürdig erscheinen. Unter diesem Aspekt sind bereits in der Vorauswahl zu offensichtlich bearbeitete Serien eliminiert worden, drei Fotografen wollte man die Chance geben. Die vor einigen Jahren geänderten Wettbewerbsregeln gestatten das der Jury im Falle des Zweifels.

Speziell an der Serie von Christensen bemängelte die Jury die stellenweise nicht mit der Realität übereinstimmenden und sureal erscheinenden Farben: Braun wurde zu plakativem Rot, Blau zu leuchtendem Königsblau, ein schmutzig-gelber Monoblockstuhl erstrahlt in einem in der Umgebung unnatürlich wirkendem sauberen Gelb, das dem defekten Stuhl den Eindruck von frischer Lagerware vermittelt.

Der Fotograf indes sieht die Ablehnung verständlicherweise kritisch, denn Fotos wurden schon immer auch zu Zeiten der Dunkelkammern nachbearbeitet. Er sieht nicht, dass ein RAW-File überhaupt viel Ähnlichkeit mit der Realität haben kann, das sei alleine durch die sehr unterschiedliche Ausgabe der RAW-Files unterschiedlicher Kamerasysteme vorgegeben. Letztendlich nimmt im Moment des Fotografierens die Wahl von Blende und Belichtungszeit den entscheidenden Einfluss auf das Foto. Der Einfluss des RAW-Konverters sei nicht anderes als das, was früher die Wahl des Fotografen für einen speziellen Film mit seinen besonderen Farbeigenschaften gewesen sei. Und wo liegt der Unterschied zwischen einem im RAW-Konverter in den Kontrasten bearbeiteten File und dem Foto, das im JPEG-Format in der Kamera bereits mit der Einstellung besonders hoher Kontrast aufgenommen wurde? Wer will hier Unterschiede definieren und beurteilen?

Und Christensen fragt, worin den die Aufgabe der Jury tatsächlich läge – in der Beurteilung des Umgangs der Fotografen mit Photoshop oder in der Beurteilung des journalistischen Inhaltes und dem Blickwinkel auf die Story? Die komplette Story mit den abgebildeten Fotos im Urzustand und nach ihrer Bearbeitung ist hier zu lesen.

Es ist eine interessante Situation und Diskussion. Ich denke, jeder Fotograf kann Christensens Enttäuschung verstehen. Er wird in der Konsequenz bei diesem Wettbewerb nur noch schwarz-weiß Fotografien einreichen, sagt er. Andererseits ist die Frage auch sehr berechtigt: wo ist die Grenze gezogen in der nachträglichen Bildbearbeitung speziell bei der Reportagefotografie? Wir Fotografen haben uns die Statuten auch im Zeitalter der digitalen Fotografie selbst auferlegt.

Bei dem Foto von Christensen mit dem offensichtlich kaputten Monoblockstuhl kann ich die Entscheidung der Jury nachvollziehen. Den Stuhl hat er von einem schmutzigem Gelb in ein fast strahlendes „sauberes“ Gelb bearbeitet,, dieser Stuhl zerstört die Aussage des Fotos meiner Meinung nach. Man sieht kaum noch etwas anderes, sondern fragt sich: was hat diese neue Lagerware – auch wenn ihr offensichtlich eine Armlehne fehlt – in diesem Foto verloren? Er ist zu einem Fremdkörper geworden. Was sollte das? Die Aufnahme hatte in ihrer Aussage doch so eine Priorisierung gar nicht nötig?

In der eigentlich Argumentation von Christensen stehe ich voll hinter dem Mann, bin aber doch der Meinung, er hat einfach zu viel am RAW-Regler gedreht und somit das Foto zu weit weg von der Realität gebracht. Und ich habe auch selber zunehmend das Gefühl, dass ich immer öfter Fotos in der Reportage begegne, die meinem Geschmack nach zu künstlich wirken, diesen typischen überscharfen Canon-Touch und Färbung haben. Was natürlich im Vorwurf so gar nicht tragfähig ist, denn heute sind es eben die Kamerahersteller, die man identifiziert, früher haben Fotografen beim Anblick der Fotos Filmeraten gespielt – insofern ist das heute auch nur legitim zu nennen. Aber ich möchte in der Reportagefotografie keine Fotos sehen, die auf schöner getrimmt sind als es die Realität wirklich zeigt. Die eine Schärfe haben, die selbst einen funktional völlig gesundem Auge signalisieren, hier wurde übermäßig viel Schärfe in das Bild gerechnet. Vor allem in der Reportage vermisse ich Unschärfe übrigens zunehmend als Stilmittel.

Vielleicht sehe ich das aber auch nur einfach sehr kritisch, weil ich doch lieber hinter dem Sucher klemme als hinter dem Monitor am PV sitze und in ein Foto Informationen gebe, die die Natur diesem Bild nicht vorbehalten hatte. Vielleicht, weil ich zunehmend merke, dass meine Naturfotos zunehmend im Vergleich abfallen, weil sie nicht dem überzogenen Style des Jahrzehnts entsprechen – auch wenn es diese Natur da draußen gar nicht in den abgebildeten Farben gibt?

Klar, in dem o. g. Beispiel ist im Prinzip ein gelber Stuhl nur etwas gelber gemacht worden. In einem anderen Foto ein braunes Kleidungsstück in ein Rot gefärbt. Das ist keine Montage. Wozu also die Aufregung? Aber gerade in der Reportage ist eine sehr große Manipulation des Fotos, wenn in einem Farbfoto das bereits braun gewordene Blut (was Blut sehr schnell im Kontakt mit Sauerstoff wird) des aufgrund eines Terroranschlags Verstorbenen am Rechner nochmals zurück in Rot verwandle, um das Foto etwas plaktiver zu machen. Dann würde eine zeitliche Aktualität ins Bild gefälscht, die Präsenz des Fotografen zu einem Zeitpunkt am Ort des Geschehens, die schlicht nicht stimmt. Und das sollte nicht sein dürfen in der Reportage. Denn sie bedeutet Veränderung der Realität.

20. Mai ist Pentax-Tag!

2009-05-08T17:09:00.001+01:00

Am 20. Mai 2009 wird Pentax ihr neues und bei uns Pentax-Photographen immens heiß erwartetes nigelnagelneues DSLR-Flaggschiff vorstellen. Was munkelt man nicht alles in den Foren, was die Neue bringen soll: ein schwarzes Gehäuse (ohne Aufpreis), einen echten Sucher, möglicherweise sogar einen internen Blitz, sie soll mit einem Sensor on Board kommen und – jetzt haltet Euch fest – sie soll direkt gleich und sofort, stante pede Farbfotos auf eine Speicherkarte speichern können! Ganz wilde Spekulanten lassen durchblicken, sie glauben sogar daran, dass sie auch Mäusekino in Echtzeit können wird.

Aber das allerspannendste Feature ist, sie hat neben den üblichen Motivprogrammen endlich auch eine Tomaten-Automatik integriert. (Danke an das US-Pentax-Marketing für den Spaß!)

Gut Tomaten fotografieren, das konnte meine Pentax schon immer – aber ich kann ja auch mit Tomaten, das können die bei Canon und Nikon definitiv nicht!

Und nun noch einen Tipp: wenn Ihr ein bisschen fotografieren könnt und ordentlich einen auf Web 2.0 machen könnt, dann könnt Ihr Euch hier jetzt als Pentax-Kamera-Tester bewerben.

Wünscht mir viel Glück, ich wünsche es Euch auch!

Rudolf Kicken

2009-05-03T16:22:00.001+01:00

Rudolf Kicken ist das Urgestein unter den deutschen Photogaleristen. Er eröffnete 1974 in Aachen seine erste – ausschließlich der Photographie vorbehaltene – Galerie. Zu einer Zeit als niemand Photographie ernsthaft zur Kunst zählen wollte. Nach Aachen folgte eine Galerie in Köln, seit 2000 gibt es Kicken Berlin in der Linienstraße – eine Galerie mit weltweit sehr guten Ruf. Marc Peschke interviewte für photoscala den Galeristen.

Die Liebe zu Eurer Fotoausrüstung …

2009-04-22T07:51:00.010+01:00

teilen auch andere. Und eine Berufsgruppe macht in der sommerlichen Urlaubszeit garantiert keinen Urlaub: Diebe. Hier einige Tipps, wie man sein Equipment mit wenig Aufwand vor Diebstahl schützen kann:

An jedem Ort, der als touristischer Anlaufspunkt gilt, sind Taschendiebe unterwegs. Das fängt übrigens bereits am heimischen Flughafen und Bahnhof an. Ihr besitzt eine für Euch wertvolle Canon-, Nikon-, Pentax- oder Sony-Ausrüstung? Selbst wenn es „nur“ eine semiprofessionelle Ausstattung ist, mit ein zwei passablen Objektiven, einem Blitz habt Ihr dafür doch auch schon 1.500- 2.000 Euro auf den Tisch gelegt. Prima! Euren Stolz kann ich nachvollziehen!

Dann ist es besonders wichtig, dass Ihr Euch bitte dazu auch unbedingt die passende Transporttasche, Halsriemen oder Handschlaufe für das Equipment kauft, auf denen groß und deutlich der Markenname Eure Lieblingsherstellers prangt. Alternativ einen Fotorucksack, der auf die bekannten Marken wie Crumpler, Tamrac etc. hört und signalisiert: alleine mein Transportbehältnis ist mir mein Geld wert. Taschendiebe von heute sind diesbezüglich nicht völlig unwissend, klauen sehr fixiert und wenn Ihr Euch als nette unübersehbare Marken-Werbefläche tarnt, signalisiert Ihr dem Taschendieb direkt und ohne Umwege, wo es ordentlich etwas zu holen gibt. Nehmt eine ausgediente Tasche, kauft Euch Schaumstoff, bastelt Euch ein Inlay selber. Dann steht wenigstens nicht gleich offensiv „Klau mich! Ich bin‘s wert!“ auf Eurem Trageutensil.

Da bietet Euch jemand vor Ort freundlich von sich aus an, Euch und Eure Familie gemeinsam vor der Sehenswürdigkeit zu fotografieren? Dann guckt Euch den jungen Freund vorher genau an: wer von Euch beiden kann gegebenenfalls schneller mit der Kamera in der Hand wegrennen? Nicht vergessen: Ihr werdet immer noch im Moment mit der Verzögerung des Erstaunens zu kämpfen haben, da hat er schon die ersten 50 Meter Vorsprung. Üblicherweise steht der Kumpane vom Freund des unautorisierten „Take-Away“ bereit, der Euch vorher noch ein Bein stellen wird oder im Weg stehen wird – sehr zufällig und absolut versehentlich. Natürlich.

Wenn Ihr Eure Kameraausrüstung doch im Kofferraum des Mietwagens belassen wollt oder einen Teil davon, sie wird im Laufe des Tages bekanntlich immer schwerer, dann überlegt Euch frühzeitig, was Ihr am nächsten Stop mitnehmen möchtet und packt schon um, bevor Ihr überhaupt losfahrt zur nächsten Sehenswürdigkeit. Nichts lädt den Autoknacker eher zu einem Quickie mit dem Kofferraum ein, als ein Rudel Leute, die direkt auf dem Parkplatz erst einmal Fototasche, Navigationsgerät nach hinten „unsichtbar“ verstauen und sich dann entspannt für ein, zwei Momente vom Auto entfernen. Profis beobachten Parkplätze genau – und zwar von Euch völlig unbemerkt! Sicherer ist natürlich gar nichts im Auto zurückzulassen.

Denkt auch im Hotel daran: wertvolle Technik, die auf dem Zimmer bleibt, gehört in den Tresor. Hotels in Urlaubsländern, vor allem alle unterhalb der Fünf-Sterne-Kategorie, haben einen hohen personellen Durchlauf. Und die stellen doch unbürokratischer ein, als es bei uns Sitte ist.

Im Café: legt den Rucksack, die Foto- und Handtasche nicht über die Stuhllehne. Ab mit ihr unter den Tisch, ein Bein in die eine Trageschlaufe gestellt – so habt Ihr die Kontrolle und merkt Ihr immer, wenn jemand an Eurem Eigentum zieht.

So wünsche ich Euch einen gelungen Urlaub und dass Ihr mit Eurer Ausrüstung komplett und gesund mit schöner Fotoausbeute wieder kommt!

Best of Blog Award 2008

2008-11-11T09:00:00.004+01:00

Zur Zeit läuft die Abstimmung für die diesjährigen Internationalen Best of Blog Awards, die zum vierten Mal von der Deutschen Welle ausgelobt werden. Letztes Jahr gewann in der Kategorie «Best Weblog» die junge Journalistin Xenia Awimova mit ihrem Fotoblog «Foto-Griffoneure».

Auch in diesem Jahr stehen in den 16 Kategorien vereinzelt Fotoblogs aus den einzelnen Ländern zur Wahl. Mich wundert, bei der Anzahl und Qualität der mittlerweile vorhandenen Fotoblogs, die ihre sehr eigenen Fotogeschichte schreiben und damit meine ich weniger die redaktionellen Fotoblogs als die der Fotografen, die ihre fotografischen Geschichten in den Blogs erzählen, warum es neben der Kategorie Best Podcast, Best Videoblog noch immer kein Best Photoblog gibt. Sei es drum, es gibt sie, diese Blogs mit den vielen hervorragenden Fotografien und jeder kann bis zum 26. November über seine favorisierten Blogs hier abstimmen. Danach spricht die internationale Jury noch ihr Urteil.

Die Gewinner werden am Abend des 27. November 2008 im Berliner Museum für Kommunikation verkündet. Eine charmante Veranstaltung und eine Chance auf spannende Blogger von überall zu treffen. Der Eintritt ist frei.

Fröhliches

2008-11-10T16:35:00.002+01:00

«Soll ich Dir anhand von Webbildern und Kommentaren die miese Qualität eines absolut beliebigen Objektivs beweisen?»

Geschätzter Kommentar eines von mir sehr geschätzten Fotoforumsfotografen. Wie sehr schön auf den Punkt gebracht ist das denn?

Zweifelhafte Fotowettbewerbe

2008-11-04T16:56:00.004+01:00

Im Blog «Fotowettbewerbe» von Ulla Schmitz werden in Bildrechtlos in loser Reihenfolge Fotografie-Wettbewerbe präsentiert, die sich in ihren rechtlichen Bedingungen zum Wettbewerb erheblich mehr Rechte über die eingsandten Fotos (also nicht nur die Siegeraufnahmen!) herausnehmen als es im rechtlichen Rahmen üblich ist.

Gelegentlich fragt man sich schon, ob hier und dort so nicht eine neue Art der sehr günstigen Stock Photography installiert wird, auf deren Inhalte nicht selten Print- als auch Online-Redaktionen und andere Sponsoren noch lange Zeit nach dem abgeschlossenen Wettbewerb zurückgreifen können.

Justin Maxon

2008-10-21T10:37:00.009+01:00

Justin Maxon hat bei den diesjährigen Lucie Awards (so etwas wie der Oscar der Foto-Industrie) den DEEPER PERSPECTIVE PHOTOGRAPHER OF THE YEAR AWARD gewonnen. Zu Recht, Maxon ist erst Mitte Zwanzig, seine Projekte zeigen die Realität in einer spürbaren Tiefe, dass der Betrachter zunächst glauben will, hier wird die Welt mit den Augen eines schon sehr lange währenden Fotografenleben gesehen.

© Justin Maxon

Auf seiner Homepage zeigt Maxon in Projects neben «Streets is Raw» und «Mui and Pha» in dem dritten Projekt «Children of Agent Orange», welche schrecklichen gesundheitlichen Konsequenzen das 1963 im Vietnamkrieg von den USA zur Entlaubung der Wälder gespritzte Herbizid CAS 39277-47-9, unter dem militärischen Codewort «Agent Orange» bekannt, inzwischen in der bereits dritten Generation der damals vergifteten Menschen immer noch hat.

(Für Maxon's schriftlichen Erläuterungen seiner Fotos mit dem Cursor über die Fotos fahren.)

Michael Tcherevkoff

2008-10-08T09:05:00.006+01:00

Michael Tcherevkoff macht sich 1970 auf die Reise von Paris nach New York, guckt seiner Schwester, die dort modelt bei der Arbeit zu und wird daraufhin Fotograf. Danach folgen 37 Jahre außergewöhnliche Fotografenkarriere. Tcherevkoffs besonderes Talent im Digital Composing hat ihn außergewöhnliche fotografische Kompositionen schaffen lassen. Sein jüngstes Werk: «Shoefleur», Schuhe und Taschen, die aus Elementen der Natur kreiiert wurden. Besucht seine perfekte Homepage, dort kann auch sein neuestes Buch «Shoefleur» erworben werden.

© Michael Tcherevkoff

Fashion

2008-10-01T11:22:00.005+01:00

Kleine Geschenke erhalten die Freundschaft.

Wer auf der Suche nach passenden Weihnachtsgeschenken ist und das nötige Kleingeld hat, kann bis zum 15. November 2008 in der Galerie Camera Work einkaufen. In der aktuellen Gruppenausstellung «Fashion» sind dort die Arbeiten der großen Modefotografen dieses und des vergangenen Jahrhunderts zu sehen, teilweise auch käuflich zu erwerben. 66 Fotografen, 250 Fotografien, beginnend ab dem Jahr 1920, zeigen die Entwicklungsstufen der Modefotografie bis in unser Jahrtausend. Es ist eine Meisterleistung soviel Fotogröße und -menge in den nicht allzu großen Galerieräumen unterzubringen.

Die Arbeiten der Pioniere wie Brassaï, Baron Adolphe de Meyer, Erwin Blumenfeld, Man Ray, Irving Penn, František Drtikol, Diane und Allan Arbus begegnen der Fotografie in der Mode von heute, der von Richard Avedon(†), Bettina Rheims, Sante D'Orazio, Michel Comte, Anton Corbijn, Joachim Baldauf und vielen vielen mehr.

Besonders zu erwähnen sind die Exponate von Horst P. Horst, dem Fotografen, dessen Bildsprache so unverkennbar ist und der der Modefotografie die Sprache der Detailfotografie geschenkt hat. Horst wurde 1906 als Horst Paul Albert Bohrmann deutschstämmiger Eltern in den USA geboren, ging 1930 nach Paris um bei Le Corbusier Architektur zu studieren. Ein Jahr später arbeitete er bereits für Vogue, integrierte dabei geometrische Formen in seine Aufnahmen und kreiierte damit einen neuen fotografischen Stil in der Modefototgrafie, der heute immer noch modern wirkt.

Horst P. Horsts Fotografien haben vorher noch nie ihren Weg nach Berlin gefunden. Für mich der eigentliche Star in der aktuellen Ausstellung, die nebenbei ein kleines Geschenk für jeden Fotografieliebhaber in dieser Stadt ist! «Fashion» Camera Work, Kantstraße 149, 10623 Berlin, Di-Sa 11-18 Uhr, Eintritt frei

Foto-Tipps in Slow Motion

2008-09-25T12:17:00.003+01:00

Robert Basic versuchte gestern dem Megapixel-Wahn bei Fotokameras auf den Grund zu gehen. Der Artikel ist aber in der Hauptsache lustvolle Kritik am Relauch als auch der qualitativen Aufbereitung von Informationen von 6Megapixel.

Seine Kritik kann ich nachvollziehen, für mich war genau das der Grund, warum ich dunkelkammerartistik ins Leben gerufen habe. Mir ging es darum weniger Fachlatein zu schwafeln oder das 92. Fotoblog zu haben, auf dem dann doch nur Pressemitteilungen publiziert werden. Wenn Know How zur Fotografie und Technik vermittelt wird, sollte es so vereinfacht geschehen, dass auch eine Person die wenig Zugang zur technischen Materie hat, mitlesen und verstehen kann. Leider ist es oft so: steckt man sehr tief in der Materie drinnen, wird es manchmal schwer die Dingen noch so erläutern zu können, dass auch weniger Fachinteressierte folgen können – obwohl sie es gerne würden. Es soll doch bitteschön die Lust am Fotografieren im Vordergrund stehen. Und wo soll die herkommen, wenn Kameras nur noch über technisches Gefasel aber nicht mehr über die Leidenschaft ihres eigntlichen Könnens verkauft werden? (Weswegen ich wohl auch «nur» ein Pentax-Mensch bin. Da schließt sich auch der Kreis zum Apple übrigens bei mir. Technik ist für mich etwas, was mich in meiner eigenen Entwicklung, im «Besser werden» unterstützen soll. Technik soll mir nicht immer abnehmen. Das macht mich auf Dauer nur dumm.)

Wer das, wie ich finde, gerade richtig gut im Bereich Fotografie macht, ist Dirk Metzmacher (Photoshop-Weblog). Der schreibt zusammen mit Bruder Jan und anderen Autoren für den Franzis Verlag auf foto.franzis.de. Und da wird fotografisches Fachwissen ganz simpel aufbereitet (Beispiel Weißabgleich) und werden verständlich formulierte Tipps rund um Fotografie, Studiofotografie und Bildbearbeitung gegeben. Kurz aber informativ teilen die Autoren ihr Insiderwissen, zum Beispiel wie man in Photoshop zeitsparend den Abbrechen-Button zu einem Zurück-Button macht. Und für alles was danach kommt, kauft man sich eh ein Buch.

Tutorials

2008-09-25T10:17:00.003+01:00

Die photokina ‘08 ist ja nun in aller Munde und in ziemlich jedem Fotoblog besprochen. Kurz hinweisen möche ich auf die Homepage der Messe, wo in der Kategorie Tipps & Tricks einige interessante Photoshop-Tutorials vorgestellt werden.

Essen ist Arbeit

2008-09-19T12:29:00.008+01:00

Mathew Garden inszeniert Food-Fotografie in seinem Projekt «We Are What We Eat» aus einer spannenden Perspektive, dabei eigene kleine Geschichten erzählend.

Fotografengeschichten

2008-09-19T12:29:00.004+01:00

Der polnische Fotograf Jerzy Lewczyński, geboren 1924, erzählt in dem Deutsch-Polnischen Format im rbb, wenn er ein Foto findet, hebt er es immer auf – egal wen es zeigt. Dann erzählt er die Geschichte, wie er einmal auf einem Dachboden Fotos findet. Sehr alte Fotos, die Negative teilweise noch auf Platte. Er fragt im Ort umher und erfährt, es sind die Fotos einer Apothekerfamilie. Einer interessanten Familie, leider mit dem typischen Schicksal, das viele Familien im 2. Weltkrieg genommen haben. Es sieht aus, als wären alle Familienmitglieder inzwischen verstorben, doch dann findet er durch Zufall noch einen überlebenden Mann in Israel und schreibt ihm. Der Mann schreibt zurück, «Die Antwort ist nass von Tränen», erzählt der Fotograf, und kommt den alten Fotograf besuchen. Der kann ihm seine Familie und Vergangenheit auf Fotos zurück geben.

Das bewirkt die Fotografie.

Im Rahmen des Europäischen Monats der Fotografie im November in Berlin stellt das Polnische Institut die Bilder von Jerzy Lewczyński aus. Eröffnung 30.10.2008 19:00 Uhr. Der Künstler ist anwesend.

Tipp zum Kamerakauf

2008-09-05T09:31:00.006+01:00

In den Kommentaren von einem Post vom Stilhäschen, die gerade eine kompakte Digitalkamera sucht, von Pest Krause:

«[…] möcht‘ ich nur dies sagen: Gehns in a kleines alteingesessenes Fotofachgeschäft und schnappen Sie sich den jüngsten, am faulsten aussehenden Mitarbeiter. Am besten einer in Cargohosen. Dem sagen Sie, was Sie fotografieren wollen und was Sie ausgeben möchten. Sie werden erstaunt und glücklich sein, Holdeste. Denn auf die eben beschriebene Art bin ich zu meiner Ausrüstung gekommen.»

Eva Leitolf

2008-09-04T15:05:00.005+01:00

Anfang der 90iger Jahre hat die Fotografin Eva Leitolf im Rahmen ihrer Abschlussarbeit begonnen, Orte in Deutschland fotografisch zu dokumentieren an denen zuvor Anschläge auf Menschen verübt worden sind, denen offensichtlich fremdenfeindliche Motive zugrunde lagen. Die mittlerweile in den USA lebende Fotografin hat dieses Projekt auch auf ihre neue Heimat ausgedehnt aber hierzulande ab 2006 wieder fortgeführt.

© Eva Leitolf

Noch bis zum 19.10.2008 ist in der Pinakothek der Moderne in München die Werkaustellung von Eva Leitolf unter dem Namen «Deutsche Bilder – eine Spurensuche» zu sehen. Dazu gibt es eine Publikation in der die Fotografin ihrer fotografischen Arbeiten Texte an die Seite stellt, in denen sie neutral über das Geschehen und die für das Opfer und Täter daraus hervorgegangenen Folgen brichtet. Das tut sie auch auf ihrer Homepage, wo ein Teil dieser Arbeiten zu sehen ist. Keine leichte Reise in junge deutsche Vergangenheit.

via fokussiert.com

Buch: PDF/X und Colormanagement

2008-09-03T07:59:00.003+01:00

Wer hier und da professioneller drucken muss, PDFs aufbereiten muss oder sich schon immer dem heiligen Thema von Colormanagement annhähern wollte – Colormanagement fängt übrigens bereits an, wenn Ihr in Eurer digitalen Kamera RGB oder sRGB als Farbarbeitsbereich definiert –, dem möchte ich das Buch PDF/X und Colormanagement empfehlen. Die Leute von CleverPrinting sind Profis und geben u. a. Seminare zum Thema Druckvorstufe, ein recht komplexes Thema. Aber auch ein ungemein spannendes Thema. Dieses Buch gibt es gedruckt für nur (!) Euro 14,80. Der Kauf des Druckwerk ist zu empfehlen, weil der Druck mit unterschiedlich gedruckten Papiersorten, Testform sowie CMYK-Farbmusterbuch kommt – und das ist bei dem Thema schlicht sinnvoll.

Aber – womit wir diesen Mittwoch zum Schnäppchenmittwoch küren können – das Buch wird ebenfalls und freundlicherweise zum kostenlosen Download angeboten. Auf geht's!

Kadaver & Blumen

2008-09-02T19:53:00.009+01:00

Mariëlle Leenders ist fotografierende Designerin oder designende Fotografin aus den Niederlanden.

© Mariëlle Leenders

Während sie einerseits wunderschöne Blumen- und Naturstils in Szene setzt – fotografiert oder gezeichnet –, rütteln die Fotos der Kategorie «Divers reportages» in der Reportage «Design Sucks» am Nervenkostüm. Bilder aus dem Schlachthaus, der Zuschauer wird Zeuge wenn das Fohlen der tödliche Stromschlag trifft und sieht klar, was mit dem Kadaver in Folge geschieht. In einigen der Photographien passiert das mit unerwarteter Ästhetik.

© Mariëlle Leenders

Die Fotografin: «Design Sucks' is a project for the exhibition Design Sucks in Eindhoven 2003, in which about 30 designer take part. And all show their visions on Design Suck.

Every product, design finds it‘s origin in nature. And of course we use nature a lot for this. Every new product costs another piece of nature. Realise what you do and use because to everything comes an end.»

via beton + garten

food creation

2008-08-24T08:45:00.005+01:00

Heute stelle ich Euch ausnahmsweise keinen Fotografen oder Fotografin vor, dafür Ideen für Food-Gestaltung aus einer anderen Welt.

Ayako Suwa, die Chefin von «food creation» ist Foodstylistin aus Japan. Intuitiv improvisierend gestaltet sie hauptsächlich Fingerfood und Buffetinstallationen für Parties und Vernissagen und integriert dabei die gezeigte Kunst oder Galerieinterieur in ihre eigenen Food-Kreationen. So präsentieren sich die Käsehäppchen als Ringe gestaltet zur Party eines Schmuckdesigners, wird auf der Ausstellung von Kaori Yuzawa unter dem Titel «After The Fog» das Finger-Food von der Nebelmaschine begleitet. Für Suwa bedeutet Essen schlicht «dem Magen von einer Konzeption zu erzählen.»

pix by Ayako Suwa

Ist es noch Essen, Spielerei oder schlicht essbare Kunst? Jedenfalls wird sie inzwischen in Japan mit ihrem Essen auf den Vernissagen als zusätzliches Kunstevent präsentiert. pingmag hat die Food-Designerin interviewt. Auf der Homepage von Ayako Suwa (mit Blog) sind Beispiele ihrer Arbeiten zu sehen, denen, mit Verlaub, mehr Enthusiasmus beim Fotografieren gut täten.

Gesichter

2008-08-23T17:42:00.001+01:00

Toufic Beyhum hat in der Berliner U-Bahn Menschen fotografiert. Seinem Talent das Besondere dieser U-Bahngäste in einem Bild festzuhalten, kann man in seinem Buch «Emotions in Motion» folgen. Appetizer gibt es auf seiner Homepage.

Ein Teil dieser Fotos sind zur Zeit im Fenster61 bis zum 15. September 2008 zu sehen.

Persönlichkeitsrecht

2008-08-23T17:25:00.001+01:00

Es ist zwar schon etwas länger her, das Post, genauer von Ostern – und das kommt bekanntlich immer wieder. Der besondere Anlass jedenfalls hatte das Law-Blog inspiriert das Fotorecht, genauer das Persönlichkeitsrecht post mortale, recht amüsant an der Person von Jesu Christi einmal genauer zu erläutern.